В начале XX века Пикассо со своим другом К. Касахемасом покидает Испанию и приезжает в Париж. Здесь Пабло вплотную знакомится с работами французских импрессионистов, в частности, А. Тулуз-Лотрека и Э. Дега, которые в свое время окажут серьезное влияние на развитие творческой мысли художника.
К несчастью, влюбленный во француженку и отвергнутый ею, Касахемас в феврале 1901 года совершает самоубийство. Грани реальной жизни и искусство для Пикассо всегда были неразрывны, и это трагическое событие, глубоко потрясшее художника, нашло отражение в последующих его работах.
С 1901 с полотен Пикассо уходят многоцветные краски, уступая место оттенкам сине-зеленой палитры. В творчестве художника наступает «голубой» период.
Глубокая, холодная и сумрачная гамма изумрудных, синих, голубых, зеленых цветов и оттенков как нельзя лучше передает главные темы творчества Пикассо этого периода – человеческие страдания, смерть, старость, нищета и уныние. Картины наполняются образами слепых, проституток, нищих и алкоголиков, пропитываются ощущением тоски и безысходности. В этот период художник, не прекращая вести богемный образ жизни, работает, создавая до трех картин в день. «Синяя комната» (1901), «Завтрак слепого» (1903), «Нищий старик с мальчиком» (1903), «Трагедия» (1903), «Двое» (1904) и, конечно, знаменитая «Любительница абсента» (1901) – все это яркие примеры картин «голубого» периода.
В 1904 году Пикассо поселяется в Бато-Лавуар — знаменитом общежитии на Монмартре, где находили свое пристанище многие художники. В это время он встречает свою музу — модель Фернанду Оливье, ставшую вдохновительницей многих известных его произведений. А знакомство с поэтами М. Жакобом и Г. Аполлинером дарит новую тему, нашедшую воплощение в его картинах – цирк и жизнь цирковых артистов. Так, постепенно в жизнь и творчество художника начинают проникать новые краски. На смену «голубому» приходит «розовый» период художественных исканий мастера.
В это время художник обращается к более жизнерадостным тонам – розовому, дымчато-розовому, золотисто-розовому, охристому. Героями картин становятся клоуны, акробаты, гимнасты, арлекины: «Акробат и молодой Арлекин» (1905), «Семья акробатов с обезьяной» (1905), «Шут» (1905). Тема романтической жизни бродячих артистов раскрывается в одной из самых знаковых и узнаваемых его картин – «Девочка на шаре» (1905).
Позже, в конце «розового» периода художник пишет картины в духе античного наследия – «Девочка с козлом» (1906), «Мальчик, ведущий лошадь» (1906).
«Голубой» и последующий «розовый» периоды творческой жизни Пабло Пикассо стали выражением его исканий в передаче настроения и своего видения мира при помощи цвета.
Профаны частенько мечут в сторону художников-авангардистов реплики, что, мол, рисовать не умеют, вот и изображают кубики и квадратики. Пикассо может служить иллюстрацией ложности и примитивности подобного утверждения. С юных лет он умел отразить на бумаге натуру с максимальным сходством с оригиналом. Талант, удачно попавший с рождения в творческую среду (отец самой яркой фигуры в живописи ХХ века был учителем рисования и декоратором), развился молниеносно. Мальчик начал рисовать едва ли не раньше, чем говорить..."Голубой" период
"Голубой период", пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера, несмотря на все еще звучащие ноты влияний. Первый творческий взлет был спровоцирован долгой депрессией: в феврале 1901 г. в Мадриде Пикассо узнал о смерти своего близкого друга Карлоса Касагемаса. 5 мая 1901 г. художник второй раз в своей жизни приехал в Париж, где все напоминало о Касагемасе, с которым он совсем недавно открывал для себя французскую столицу. Пабло поселился в комнате, где провел свои последние дни Карлос, завел роман с Жермен, из-за которой друг покончил с собой, общался с тем же кругом людей. Можно представить, в какой сложный узел сплелись для него горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти... Все это во многом послужило тем "сором", из которого вырос "голубой период". Позже Пикассо говорил: "Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв"..."Розовый" период
«Розовый период» был относительно недолгим (с осени 1904 года до конца 1906-го) и не вполне однородным. Однако большое количество картин отмечено светлым колоритом, появлением жемчужно-серых, охристых и розово-красных тонов; появляются и становятся доминирующими новые темы – актеры, акробаты, атлеты. Цирк Медрано, располагавшийся у подножия Монмартрского холма, безусловно, давал массу материала для художника. Театральность во многих ее проявлениях (костюмы, акцентированные жесты), разнообразие типов людей, прекрасных и безобразных, юных и взрослых, будто вернули художника в мир несколько преображенных, но реальных форм, объемов, пространств; образы вновь наполнились жизнью в противоположность персонажам «голубого периода»..."Африканский" период
Первой работой, повернувшей кисти Пикассо в сторону новой фигуративности, стал портрет Гертруды Стайн 1906 года. Переписав его около 80 раз, художник отчаялся воплотить писательницу в классической стилистике. Художник явно созрел для нового творческого периода, и следование за натурой перестало его интересовать. Это полотно можно считать первым шагом в направлении деформации формы.В 1907 году Пикассо впервые столкнулся с архаичным африканским искусством на этнографической выставке в музее Трокадеро. Примитивные идолы, статуэтки и маски, где обобщенная форма освобождалась от мельтешения деталей, воплощали в себе могучие силы природы, от которой первобытный человек не дистанцировал себя. Идеология Пикассо, неизменно ставившего искусство превыше всего, совпала с мощным посылом, заложенным в этих образах: для древних людей искусство служило не декорированию быта, оно было колдовством, приручавшим непонятных и враждебных духов, контролировавших полную опасности земную жизнь...
Кубизм
До кубизма в европейском искусстве одной из основных всегда оставалась проблема жизнеподобия. Несколько веков искусство эволюционировало, не беря эту задачу под сомнение. Даже импрессионисты, открывшие в истории живописи новую главу, посвященную свету, фиксации мимолетного впечатления, тоже решали вопрос: как запечатлеть на холсте этот мир.Стимулом к развитию нового языка искусства, пожалуй, стал вопрос: зачем рисовать? К началу XX в. основам "правильного" рисования можно было научить практически любого. Активно развивалась фотография, и стало понятно, что изображения фиксационного, технического плана станут ее вотчиной. Перед художниками встал вопрос: как искусству остаться живым и актуальным в мире, где изобразительные образы становятся все доступнее и все легче тиражируются? Ответ Пикассо чрезвычайно прост: в арсенале живописи есть только ее собственные специфические средства - плоскость холста, линия, цвет, свет, и их совершенно не обязательно ставить на службу природе. Внешний мир лишь дает толчок для выражения индивидуальности творца. Отказ от правдоподобной имитации предметного мира открывал перед художниками невероятно широкие возможности. Шел этот процесс по нескольким направлениям. В области "освобождения" цвета лидировал, пожалуй, Матисс, а Брак и Пикассо - основатели кубизма - больше интересовались формой...
"Классический" период
1910-е годы оказались для Пикассо достаточно сложными. В 1911-м всплыла история с покупкой и хранением украденных из Лувра статуэток, которая продемонстрировала Пикассо ограниченность его собственных моральных, человеческих сил: он оказался и неспособным впрямую сопротивляться нажиму власти, и сохранять преданность дружбе (на первом допросе он пытался отречься даже от самого факта знакомства с Апполинером, "благодаря" которому он оказался вовлеченным в этот неприятный инцидент). В 1914 году началась Первая мировая война и выяснилось, что Пикассо не готов сражаться за Францию, ставшую его второй родиной. Это тоже развело его со многими друзьями. В 1915 году умерла Марсель Умбер...Сюрреализм
Расчленение творчества на периоды - стандартный способ втиснуть искусство в рамки и разложить по полочкам. В случае с Пабло Пикассо, художником без стиля или, что вернее, художником множества стилей, такой подход условен, но традиционно применяется. Период близости Пикассо к сюрреализму хронологически вписывается в рамки 1925 – 1932 годов. Как правило, над каждым стилистическим этапом в творчестве художника властвовала определенная Муза. Пребывая в браке с экс балериной Ольгой Хохловой, жаждавшей «узнавать себя на полотнах», Пикассо от изобретенного им вместе с Жоржем Браком кубизма обратился к неоклассицизму.Когда же в жизнь художника вошла юная блондинка
Существуют противоположные суждения о роли голубого и розового периодов в творческой биографии Пикассо. Некоторые считают, что эти периоды остались непревзойденными: тогда Пикассо был подлинным художником-гуманистом, а потом, поддавшись соблазнам модернизма и одержимый демоном разрушения, уже никогда не достигал высот своей молодости. С большей или меньшей категоричностью такая оценка высказывалась в нашей печати, частично и в зарубежной. Но в большинстве книг и статей зарубежных авторов проводится иная мысль: в голубом и розовом периодах Пикассо еще не был самим собой, оставался в русле традиционализма, и потому большого значения, сравнительно с последующими, они не имеют.
Обе эти крайние точки зрения несправедливы. Они в равной мере исходят не столько из самих созданий художника, сколько из предвзятых суждений о реализме и модернизме, о традиционализме и новаторстве. И в том, и в другом случае главным критерием ценности полагают отношение художника к ренессансной концепции изобразительности - ее преодоление или, напротив, сохранение. Между тем для самого Пикассо этот момент не был, как видно, решающим - судя хотя бы по тому, как часто он переходил от форм «традиционных» к формам «разрушительным» и обратно или пользовался ими одновременно, отказываясь раз навсегда предпочесть одни другим. Первый разрыв с традицией был резким и драматичным, но в дальнейшем антагонизм двух способов изображения оказался как бы снятым. Между ними обнаружилось много переходных звеньев. И самые «точные», и самые «условные» изображения Пикассо относятся к его общей творческой концепции как частные случаи, и в этом смысле равноправны.
Голубой и розовый периоды не являются абсолютными вершинами для создателя «Герники». Тем не менее, если бы даже творческая история Пикассо окончилась в 1906 году, если бы он остался только автором «голубых» и «розовых» полотен - он и тогда вошел бы в историю как великий художник.
Двадцатилетний Пикассо был уже вполне самобытным мастером. Процесс ученического восприятия и изживания академизма, сентиментального жанра (а потом импрессионизма и постимпрессионизма) начался у него, как мы видели, необычайно рано и протекал уплотненно. К началу голубого периода все это осталось позади. Если изнеженно пушистая, золотисто-зеленоватая «Дама с собачкой» (1900) воспроизводит (а вместе с тем и скрыто пародирует) колористическое и фактурное гурманство позднего импрессионизма; если зловещая кокотка в красной шляпе (1900) напоминает о Тулуз-Лотреке, моющаяся женщина в голубой комнате (1901) - о Дега, то в таких произведениях 1901 года, как «Девочка с голубем», как шедевры щукинского собрания - «Объятие», «Арлекин и его жена», «Портрет Сабартеса», Пикассо похож уже только на самого себя. (Нельзя не подивиться вкусу и проницательности московского коллекционера Щукина, который из многих произведений молодого художника отбирал именно те, где был настоящий Пикассо.)
По первому впечатлению докубистские вещи Пикассо мало напоминают позднейшие. Но в них - истоки его сокровенных тем и мотивов, увертюра его творчества.
К. Юнг, подходя к искусству Пикассо как психоаналитик, усматривал в голубом периоде комплекс нисхождения в ад. И в самом деле: у входа в этот сумеречный, пустынно голубой мир метафизической нищеты и молчаливого страдания как бы начертаны слова: «Я увожу к отверженным селеньям».
Пикассо жил тогда в среде полунищей богемы, голодал и бедствовал, иногда ему приходилось топить печку грудами своих рисунков - однако меньше всего личные невзгоды определяли тон его искусства. Поэт Макс Жакоб вспоминал о том времени: «Мы жили плохо, но прекрасно». Пикассо всегда окружали друзья, он был полон энергии и жизнелюбия, но как художник искал жестоких, ранящих впечатлений. Его притягивало «дно». Он посещал сумасшедшие дома, больницы для проституток, подолгу наблюдал и рисовал больных, чтобы до отказа напитать и закалить душу зрелищем страданий. В его рисунках тех лет встречаются вспышки мрачного юмора. Однажды он написал на стене мастерской одного из своих друзей ужасную символическую сцену - повешенный на дереве негр, под деревом обнаженная пара, предающаяся любви.
Голубой период охватывает 1901-1904 годы. Тогда Пикассо еще не поселился окончательно во Франции, часто переезжал из Барселоны в Париж и опять в Барселону. Живопись голубого периода корнями уходит в традиции Испании. После проходных опытов «во французском духе», многочисленных, но недолговременных, созревший талант Пикассо вновь обнаружил свою испанскую природу - во всем: в теме гордой нищеты и возвышенного убожества, в сочетании жестокого «натурализма» с экстатической духовностью, в юморе типа Гойи, в пристрастии к символике жизни и смерти. Самая большая и сложная из картин ранней поры - «Положение во гроб Казагемаса» (написанная под впечатлением самоубийства друга Пикассо) - построена наподобие «Похорон графа Оргаса» Эль Греко: внизу - оплакивание мертвого, вверху - сцена в небесах, где в атмосферу мистического видения вплетены фривольные образы из мира кабаре. По стилю это близко к тому, что художник делал еще до первого посещения Парижа: например, в большой акварели «Путь» (1898), изображающей символическую процессию с погребальными дрогами и вереницу сгорбленных старух и женщин с детьми - они бредут в гору, там их поджидает огромная сова, распростершая крылья. (Эти погребальные дроги мы встретим через полстолетия в панно «Война», а сова - неизменный атрибут искусства Пикассо.)
Символичны «Две сестры» - две закутанные в покрывала усталые, истомленные женщины, проститутка и монахиня, встречающиеся, как встречаются на старинных картинах Елизавета и Мария. Символична «Жизнь» - странная, нарочито построенная композиция: любовь, материнство, одиночество, жажда спасения от одиночества.
Постепенно символика Пикассо освобождается от слишком явного привкуса аллегории. Композиции становятся внешне простыми: на нейтральном мерцающем голубом фоне одна или чаще две фигуры, болезненно хрупкие, прижавшиеся друг к другу; они спокойны, покорны, задумчивы, замкнуты. У «докубистского» Пикассо нет натюрмортов: он пишет только людей.
Во французской живописи начала века голубые картины Пикассо выглядят обособленно, для Испании они органичны. Французские друзья молодого Пикассо ощущали в нем присутствие чуждого начала, он был им не до конца понятен. Морис Рейналь впоследствии писал: «Нечто таинственное окутывало его личность, по крайней мере для нас, не привыкших к испанскому складу ума: поражал контраст между болезненной и тяжелой силой его искусства и его собственной жизнерадостной натурой, между его драматическим гением и его веселым нравом» .
Пикассо, как ранее Ван-Гог, хотя совсем по-иному, чем Ван-Гог, пришел с жаждой выразить свое сокровенное понимание мира. Уже поэтому он (как и Ван-Гог) не мог поддаться очарованию импрессионизма: созерцательность, убаюкивающая нега «видимостей» была не для него; во имя активного внутреннего постижения он должен был прорвать оболочку видимого.
Активность подхода издавна связывалась с приматом рисунка, и молодой Пикассо начал с того, что вернул рисунку его главенствующее значение, сделал это решительнее и сильнее, чем Дега и Тулуз-Лотрек. Монохромностью голубых картин оттеняется могущество линии. Синеватые фигуры не тонут в синеве фона, а отчетливо выступают, хотя они сами почти такого же цвета, как фон, и выделены главным образом контуром. Внутри контура светотеневая и цветовая моделировка минимальны, в фоне отсутствует иллюзорная глубина, создаваемая перспективой, но контур сам создает впечатление объема - объема на плоскости. (Это хорошо видно, например, в зеленовато-голубом этюде обнаженной женщины со спины: тут почти нет моделировки - вся богатая пластика этой спины, направление объемов, полновесность формы переданы контурной линией.)
Пикассо уже тогда был несравненным рисовальщиком. Сабартес вспоминал, что, наблюдая Пикассо за работой, он поражался уверенности движений его руки: казалось, что рука только обводит уже имеющиеся на холсте невидимые очертания.
«Голубой стиль» - вызов живописи импрессионизма, отказ подчиниться диктату зрительного восприятия, решительно взятая установка на образ структурный, построенный, созданный. И впоследствии Пикассо никогда, во всех своих превращениях, этому исходному принципу не изменял.
Исследователи отмечают особое значение темы слепоты в произведениях раннего периода. Композиция «Завтрак слепого» в нескольких вариантах, картина «Слепой гитарист», слепой старик с мальчиком, рисунки, изображающие слепого с поводырем, скульптура - голова слепой женщины. А зрячие держатся почти как слепые. Глаза у них или полузакрыты, или широко открыты, но неподвижны, люди не смотрят друг на друга, общаясь прикасаниями, нащупывающими движениями рук. Руки на картинах раннего Пикассо - с длинными пальцами, худые, непомерно чуткие «готические» руки - это руки слепых, руки-глаза.
Откуда такое пристрастие к слепцам? Только ли от желания выразить предельную обездоленность людей или символически показать их блуждание ощупью в чужом мире? По-видимому, тут кроется что-то еще: идея прозорливости слепоты, которая есть в то же время прозорливость любви. Пенроз связывает тему слепоты с постоянной неудовлетворенностью художника внешним, зрительно воспринимаемым аспектом явлений. «Внешний аспект всегда казался ему недостаточным. Где-то в точке сближения чувственного восприятия с глубокими сферами разума есть как бы внутренний глаз, который видит и понимает силой чувства. Он может воспринимать, понимать и любить даже когда восприятие физическим зрением невозможно. Это восприятие еще интенсивнее, когда окно во внешний мир наглухо закрыто» . Становится понятным одно из загадочных высказываний Пикассо более позднего времени: «Все зависит от любви. Дело всегда в этом. У художников нужно бы выкалывать глаза, как выкалывают щеглам, чтобы они лучше пели» .
Проблемы, которые принято считать «чисто пластическими» - рисунка и цвета, пространства, формы, деформации, - вставали перед Пикассо как проблемы человеческие: общения, понимания, проникновения. Что сближает людей, что спасает их от мук одиночества? Разве то, что они рассматривают друг друга? Нет, они чувствуют друг друга каким-то иным, шестым чувством. И не должен ли художник в своем постижении вещей также идти с помощью шестого чувства за пределы того, что он просто видит? Пикассо всегда чтил сову - птицу слепую днем, но зоркую в темноте.
В своем «нисхождении в ад» Пикассо вкусил всю печаль человеческой нищеты, но не ощутил безнадежности - это скорее чистилище, нежели ад. У его калек и бродяг не отнята надежда, потому что не отнят дар любви. У Пикассо нет картин, от которых бы веяло таким ледяным одиночеством, как от зелено-красного «Кафе» Ван-Гога. Он постоянно показывает, как два существа стремятся быть вместе, неразделимо и молча, - это, пожалуй, главная внутренняя тема голубого периода.
Наиболее прямо она выражена в многочисленных вариантах «Объятия». Едва ли не самый красноречивый - быстрый набросок углем 1901 года: тут нет мужчины и женщины порознь, нет обнимающихся - есть объятие, нет двух людей - есть любовь двух людей. Этот ранний рисунок чем-то напоминает гораздо более поздние композиции Пикассо, где он метафорически изображал влюбленных посредством двух сливающихся, входящих один в другой профилей.
Мотив объятия Пикассо трактовал с абсолютным целомудрием: эротика здесь отсутствует, скорее царит духовный эрос в платоновском смысле. Собственно же эротическое в творчестве Пикассо всегда звучит грозно, мрачно, сопрягается с темой насилия и жестокости - это, может быть, тоже испанская черта, столь непохожая на жизнерадостную чувственность, культивировавшуюся французским искусством.
В искусстве Пикассо чувственная страсть - одна из разновидностей вражды, «войны», сфера действия разрушительных сил. Когда он хочет говорить о любви, сближающей людей, - он изгоняет элемент чувственности. Иногда даже делает своих персонажей как бы бесполыми (критики писали о «чертах андрогина»). Дистрофическая худоба, изможденность, поникшая усталость мужчины и женщины, сидящих, обнявшись и засыпая, за пустым столом, исключает эротические ассоциации: иную, духовную природу имеет стремление двух заброшенных людей спастись друг другом.
Эти «двое», защищенные любовью, - только в некоторых случаях мужчина и женщина, муж и жена, а чаще - другие пары: старик и мальчик, мать и ребенок, две сестры или даже - человек и животное: мальчик с собакой, женщина с вороном, маленькая девочка с голубем.
Все эти персонажи обрисованы компактно замкнутыми контурами - сами позы их таковы, как будто они невольно стремятся занять как можно меньше места, чтобы быть незаметными или согреться: сжимают руки, подбирают ноги, втягивают головы в плечи. Когда их двое - то подчас обе фигуры включены в эту замкнутую, закрытую конфигурацию и «превращаются в одно» почти буквально.
Кажется, Пикассо особенно дороги такие сюжеты, где слабый оберегает слабейшего. Он заново одухотворил старинную тему матери, охраняющей ребенка, и надо признать, что лучшие из его «Материнств» относятся к ранней поре. Чувство томительной нежности к маленькому беспомощному созданию молодой Пикассо прозондировал до самых глубин и открыл в нем нечто, граничащее с болью. На первый взгляд, в маньеристической грации его «Матерей» есть как бы некоторый холодок, но это холодок, острия иглы, дотрагивающейся до обнаженного сердца.
Одно из самых ранних произведений голубого периода - «Девочка с голубем»: маленькая девочка бережно держит между ладонями голубку. Можно видеть здесь первое рождение одной из сквозных тем Пикассо, проходящей - явно или скрыто, окольно, символически или прямо - через его долгое творчество. Она родственна легенде о святом Христофоре, пронесшем младенца Христа через бурный поток.
Защитить грядущий день, пронести жизнь, слабую и трепетную, как пламя свечи, сквозь потрясения века - это тема надежды; через много лет она обернулась у Пикассо темой мира. Больше чем через сорок лет после «Девочки с голубем» он сделал статую «Человека с ягненком»: напуганный ягненок дрожит и рвется, человек несет его спокойно и так же бережно, как девочка держит голубя. Многие мотивы Пикассо, постоянно его преследующие, располагаются вокруг этого скрытого центра: играющие дети, которых некто сильный оберегает от чудовища (такие композиции есть среди подготовительных рисунков к «Храму мира»); бодрствующий возле спящего; страдающие раненые животные; наконец, мотив свечи или факела - светильника, озаряющего мрак: гений света, врываясь в ад «Герники», держит свечу в вытянутой руке. Иногда слабость оказывается силой, а брутальная сила - беспомощностью: в серии с минотавром мы видим ребенка, который уверенно ведет за собой ослепшего, ослабевшего полузверя.
Вряд ли найдется человек на планете, которому не знакомо имя Пабло Пикассо. Основатель кубизма и художник множества стилей повлиял в 20 веке на изобразительное искусство не только Европы, но и всего мира.
Художник Пабло Пикассо: детство и годы обучения
Один из ярчайших родился в Малаге, в доме на площади Мерсед, в 1881 году, 25 октября. Ныне там располагается музей и фонд имени П. Пикассо. Следуя испанской традиции при крещении, родители дали мальчику достаточно длинное имя, которое представляет собой чередование имен святых и самых близких и почитаемых в семье родственников. В конечном счете его знают по самому первому и последнему. Фамилию Пабло решил взять материнскую, посчитав отцовскую слишком простой. Талант и тяга к рисованию у мальчика проявились с самого раннего детства. Первые и очень ценные уроки ему преподнес отец, который тоже был художником. Звали его Хосе Руис. Свою первую серьезную картину он написал в восемь лет - «Пикадор». Можно смело утверждать, что именно с нее началось творчество Пабло Пикассо. Отец будущего художника получил предложение о работе преподавателя в Ла-Корунье в 1891 году, и вскоре семья переехала на север Испании. Там же Пабло в течение года проходил обучение в местной школе искусств. Затем семья перебралась в один из красивейших городов - Барселону. Юному Пикассо на тот момент было 14 лет, и он был слишком молод для того, чтобы учиться в Ла-Лонху (школа изящных искусств). Однако отец смог добиться того, чтобы его допустили к вступительным экзаменам на конкурсной основе, с которыми он справился блестяще. Спустя еще четыре года родители приняли решение устроить его в лучшую на тот момент передовую школу искусств - «Сан Фернандо» в Мадриде. Учеба в академии быстро наскучила юному дарованию, в ее классических канонах и правилах ему было тесно и даже скучно. Поэтому больше времени он посвящал Музею Прадо и изучению его коллекций, а спустя год вернулся в Барселону. К раннему периоду его творчества относятся картины, написанные в 1986 году: «Автопортрет» Пикассо, «Первое причастие» (на ней изображена сестра художника Лола), «Портрет матери» (на фото ниже).
Во время пребывания в Мадриде он впервые совершил где изучил все музеи и живопись самых великих мастеров. Впоследствии он приедет в этот центр мирового искусства неоднократно, а в 1904 году переберется окончательно.
«Голубой» период
Этот временной промежуток можно рассматривать как именно в это время начинает проявляться в творчестве Пикассо его индивидуальность, все еще подверженная постороннему влиянию. Известный факт: талант творческих натур проявляет себя максимально ярко в сложных жизненных ситуация. Именно так и случилось с Пабло Пикассо, произведения которого теперь известны всему миру. Взлет был спровоцирован и произошел после продолжительной депрессии, вызванной смертью близкого друга Карлоса Касагемаса. В 1901 году на выставке, организованной Волларом, были представлены 64 работы художника, однако на тот момент они еще были полны чувственности и яркости, явно ощущалось влияние импрессионистов. В свои законные права «голубой» период его творчества вступал постепенно, проявляя себя жесткими контурами фигур и утерей трехмерности изображения, уходом от классических законов художественной перспективы. Палитра красок на его полотнах становится все более однообразной, акцент делается на синий цвет. Началом периода можно считать "Портрет Хайме Сабартеса" и автопортрет Пикассо, написанные в 1901 году.
Картины «голубого» периода
Ключевыми в этот период для мастера стали такие слова, как одиночество, страх, вина, боль. В 1902 года он вновь вернется в Барселону, однако остаться в ней так и не сможет. Напряженная обстановка в столице Каталонии, нищета со всех сторон и социальная несправедливость выливаются в народные волнения, постепенно охватившие не только всю Испанию, но и Европу. Вероятно, такое положение дел оказало влияние и на художника, который в этот год работает плодотворно и чрезвычайно много. На Родине создаются шедевры «голубого» периода: «Две сестры (Свидание)», «Старый еврей с мальчиком», «Трагедия» (фото полотна выше), «Жизнь», где еще раз возникает образ погибшего Касагемаса. В 1901 году была также написана картина «Любительница абсента». В ней прослеживается влияние популярного на тот момент увлечения «порочными» персонажами, характерного для французского искусства. Тема абсента звучит во многих картинах. Работа Пикассо, помимо всего прочего, полна драматизма. Особенно явно в глаза бросается гипертрофированная рука женщины, которой она словно старается защититься. В настоящее время «Любительница абсента» хранится в Эрмитаже, попав туда из частной и весьма внушительной коллекции работ Пикассо (51 произведение) С. И. Щукина после революции.
Как только появляется возможность вновь отправиться в без колебаний решает ею воспользоваться и уезжает из Испании весной 1904 года. Именно там он столкнется с новыми интересами, ощущениями и впечатлениями, что даст начало новому этапу его творчества.
«Розовый» период
В творчестве Пикассо этот этап длился относительно долго - с 1904 г. (осень) до окончания 1906-го - и был не совсем однородным. Большая часть картин периода отмечена светлой гаммой красок, появлением охристых, жемчужно-серых, красно-розовых тонов. Характерно появление и в последующем доминирование новых для творчества художника тем - актеры, циркачи и акробаты, атлеты. Безусловно, подавляющее большинство материала ему предоставлял цирк Медрано, который в те годы располагался у подножия Монмартра. Яркая театральная обстановка, костюмы, поведение, разнообразие типажей словно вернули П. Пикассо в мир, пусть и преображенных, но реальных форм и объемов, естественного пространства. Образы на его картинах вновь стали чувственными и наполнились жизнью, яркостью в противовес персонажам «голубого» этапа творчества.
Пабло Пикассо: произведения «розового» периода
Картины, ознаменовавшие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 году в галерее Серюрье - это «Сидящая обнаженная» и «Актер». Один из признанных шедевров «розового» периода - «Семейство комедиантов» (на фото выше). Полотно имеет внушительные размеры - в высоту и ширину более двух метров. Фигуры циркачей изображены на фоне синего неба, принято считать, что арлекин с правой стороны - это сам Пикассо. Все персонажи находятся в статике, и между ними не наблюдается какой-либо внутренней близости, каждого сковало внутреннее одиночество - тема всего «розового» периода. Кроме того, стоит отметить следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик, ведущий лошадь», «Акробаты. Мать и сын», «Девочка с козлом». Все они демонстрируют зрителю красоту и редкую для картин художника безмятежность. Новый толчок в творчестве случился в конце 1906 года, когда Пикассо путешествовал по Испании и оказался в небольшой деревне в Пиренеях.
Африканский период творчества
С архаичным африканским искусством П. Пикассо впервые столкнулся на тематической выставке музея Трокадеро. Его впечатлили языческие идолы примитивной формы, экзотические маски и статуэтки, воплощавшие в себе великую силу природы и дистанцированные от мельчайших деталей. Идеология художника совпала с этим мощным посылом, и в результате он стал упрощать своих героев, делая их подобными каменным истуканам, монументальными и резкими. Однако первая работа в направлении данной стилистики появилась еще в 1906 году - это портрет работы Пабло Пикассо писательницы Он переписывал картину 80 раз и уже совершенно разуверился в возможности воплотить ее образ в классическом стиле. Этот момент можно по праву назвать переходным от следования за натурой к деформации формы. Достаточно взглянуть на такие полотна, как «Обнаженная женщина», «Танец с покрывалами», «Дриада», «Дружба», «Бюст моряка», «Автопортрет».
Но, пожалуй, самым ярким образцом африканского этапа творчества Пикассо является картина «Авиньонские девицы» (на фото выше), над которой мастер трудился около года. Она венчала данный этап творческого пути художника и во многом определила судьбу искусства в целом. Впервые полотно увидело свет лишь спустя тридцать лет после его написания и стало открытой дверью в мир авангарда. Богемный круг Парижа буквально раскололся на два лагеря: «за» и «против». В настоящий момент картина хранится в Музее современного искусства города Нью-Йорка.
Кубизм в творчестве Пикассо
Проблема уникальности и точности изображения оставалась на первом месте в европейском изобразительном искусстве вплоть до того момента, когда в него ворвался кубизм. Стимулом к его развитию многие считают вопрос, возникший среди художников: «Зачем рисовать?» Достоверному изображению того, что видишь, в начале 20 века можно было научить практически любого, к тому же буквально на пятки наступала фотография, которая грозила целиком и полностью вытеснить все остальное. Зрительные образы становятся не только правдоподобными, но и доступными, легко тиражируются. Кубизм Пабло Пикассо в данном случае отражает индивидуальность творца, отказываясь от правдоподобного изображения внешнего мира и открывая совершенно новые возможности, границы восприятия.
К ранним работам относятся: «Горшок, бокал и книга», «Купание», «Букет цветов в сером кувшине», «Хлеб и ваза с фруктами на столе» и т. д. В полотнах четко прослеживается, как меняется стиль художника и приобретает все более абстрактные черты к концу периода (1918-1919 годы). Например, «Арлекин», «Три музыканта», «Натюрморт с гитарой» (на фото выше). Ассоциирование зрителями творчества мастера с абстракционизмом совершенно не устраивало Пикассо, ему был важен сам эмоциональный посыл картин, их скрытый смысл. В конечном итоге созданный им же самим стиль кубизм перестал постепенно вдохновлять художника и интересовать, открыв дорогу новым веяниям в творчестве.
Классический период
Второе десятилетие 20 века было для Пикассо достаточно сложным. Так, 1911 год ознаменовался историей с украденными статуэтками из Лувра, которая выставила художника не в лучшем свете. В 1914 г. выяснилось, что, даже прожив столько лет в стране, за Францию Пикассо сражаться в Первой мировой войне не готов, что развело его с многими друзьями. А в следующем году умерла его возлюбленная Марсель Умбер.
На возвращение более реалистичного в творчестве Пабло Пикассо, произведения которого наполнились вновь читаемостью, фигурностью и художественной логикой, повлияли и многие внешние факторы. В том числе поездка в Рим, где он проникся античным искусством, а также общение с балетной труппой Дягилева и знакомство с балериной Ольгой Хохловой, которая вскоре стала второй женой художника. Началом нового периода можно считать ее портрет 1917 года, который в некотором роде носил экспериментальный характер. Русский балет Пабло Пикассо не только вдохновил на создание новых шедевров, но и подарил возлюбленную и долгожданного сына. Самые известные работы периода: «Ольга Хохлова» (на фотографии выше), «Пьеро», «Натюрморт с кувшином и яблоками», «Спящие крестьяне», «Мать и ребенок», «Женщины, бегущие по пляжу», «Три грации».
Сюрреализм
Разделение творчества есть не что иное, как желание разложить по полочкам и втиснуть его в определенные (стилистические, временные) рамки. Однако к творчеству Пабло Пикассо, которого украшают самые лучшие музеи и галереи мира, такой подход можно назвать весьма условным. Если следовать хронологии, то период, когда художник был близок к сюрреализму, выпадает на 1925-1932 годы. Совершенно неудивительно, что на каждом этапе творчества мастера кисти посещала муза, и, когда О. Хохлова пожелала узнавать себя на его полотнах, он обратился к неоклассицизму. Однако творческие люди непостоянны, и вскоре в жизнь Пикассо вошла юная и очень красивая Мария Тереза Вальтер, которой на момент знакомства исполнилось всего 17 лет. Ей была уготована роль любовницы, а в 1930 году художник купил замок в Нормандии, который для нее стал домом, а для него - мастерской. Мария Тереза была верной спутницей, стойко перенося творческие и любовные метания творца, поддерживая дружескую переписку вплоть до смерти Пабло Пикассо. Произведения периода сюрреализма: «Танец», «Женщина в кресле» (на фотографии ниже), «Купальщица», «Обнаженная на пляже», «Сон» и т. д.
Период Второй мировой войны
Симпатия Пикассо во времена военных действий в Испании в 1937 году принадлежала республиканцам. Когда в этом же году итальянская и немецкая авиация разрушила Гернику - политический и культурный центр басков - Пабло Пикассо город, лежащий в руинах, изобразил на огромном одноименном полотне буквально за два месяца. Его буквально охватил ужас от угрозы, которая нависла над всей Европой, что не могло не отразиться на творчестве. Эмоции выражались не прямо, а воплотились в тональности, ее мрачности, горечи и сарказме.
После того как отгремели войны, и мир пришел в относительное равновесие, восстанавливая все, что было разрушено, творчество Пикассо тоже обрело более счастливые и яркие краски. Его полотна, написанные в 1945-1955 годах, обладают средиземноморским колоритом, очень атмосферны и отчасти идеалистичны. В это же время он начинает работать с керамикой, создавая множество декоративных кувшинов, блюд, тарелок, статуэток (фото представлено выше). Произведения, которые были созданы в последние 15 лет жизни, весьма неравномерны по стилистике и качеству.
Один из крупнейших художников двадцатого века - Пабло Пикассо - умер в возрасте 91 года на своей вилле во Франции. Похоронен вблизи принадлежавшего ему замка Вовенарт.
Голубой период", пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера: несмотря на все еще звучащие ноты влияний, мы уже имеем дело с проявлением истинной его индивидуальности.
Первый творческий взлет, как ни странно, был спровоцирован долгой депрессией. В феврале 1901 г. в Мадриде Пикассо узнал о смерти своего близкого друга Карлоса Касагемаса. 5 мая 1901 г. художник второй раз в своей жизни приехал в Париж, где все напоминало о Касагемасе, с которым он совсем недавно открывал для себя французскую столицу. Пабло поселился в комнате, где провел свои последние дни Карлос, завел отнюдь не платонический роман с Жермен, из-за которой тот покончил с собой, общался с тем же, что и он, кругом людей. Можно представить, в какой сложный узел сплелись для него горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти... Все это во многом послужило тем "сором", из которого вырос "голубой период". Позже Пикассо говорил: "Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв".
Однако в июне 1901 г. на первой парижской выставке Пикассо, открытой Волларом, еще нет никакой "голубой" специфики: 64 представленные работы яркие, чувственные, в них ощутимо влияние импрессионистов.
В свои права "голубой период" вступал постепенно: в работах Пикассо появились достаточно жесткие контуры фигур, мастер перестал стремиться к "трехмерности" изображений, стал уходить от классической перспективы. Постепенно его палитра становится все менее разнообразной, все сильнее звучат акценты синего. Началом собственно "голубого периода" считается созданный в том же 1901 г. "Портрет Хайме Сабартеса" .
Сам Сабартес сказал об этой работе: "Разглядывая себя самого на полотне, я понял, что именно вдохновило моего друга, - это был весь спектр моего одиночества, увиденный извне".
Ключевыми словами для этого периода творчества Пикассо действительно являются "одиночество", "боль", "страх", "вина", примером тому может служить "Автопортрет"
мастера, созданный за несколько дней до отъезда в Барселону.
В январе 1902 г. он вернется в Испанию, не сможет остаться - слишком уж тесен для него испанский круг, слишком манит его Париж, снова отправится во Францию и проведет там несколько отчаянно тяжелых месяцев. Работы не продавались, жилось очень тяжело. Ему пришлось вновь вернуться в Барселону и последний раз задержаться там на целых 15 месяцев.
Столица Каталонии встретила Пикассо высоким напряжением, со всех сторон его окружала нищета и несправедливость. Социальное брожение, охватившее на рубеже веков Европу, захватило и Испанию. Вероятно, это тоже сказалось на мыслях и настроениях художника, который работал на родине чрезвычайно много и плодотворно. Здесь созданы такие шедевры "голубого периода", как "Свидание (Две сестры)" ,
Образ Касагемаса еще раз возникает в картине "Жизнь" ;
она была написана поверх работы "Последние мгновения", экспонировавшейся на Всемирной выставке 1900 г. в Париже и ставшей поводом для первой поездки Пикассо и Касагемаса в столицу Франции. В периоды безденежья художник не раз записывал свои старые холсты, но в данном случае это "варварство", вполне возможно, имело и некое символическое значение как знак прощания со старым искусством и с Карлосом, тоже навсегда оставшимся в прошлом.
Весной 1904 г. появилась возможность снова уехать в Париж, и Пикассо не медлил. Именно в Париже ждали его новые ощущения, новые люди, интересы и новый - "розовый" - период, который ведет свой отсчет с осени 1904 г.
Загрузка...