Вопрос: Я только учусь совершать намаз, и сейчас учу суру «аль-Фатиха», но арабскую вязь я не умею читать и хочу использовать кириллицу. Можно ли писать транскрипцию Корана с целью обучения необходимым сурам и аятам, таким как «аль-Фатиха», «аль-Ихляс», «аятуль-Курси» и т. п.?
Ответ:
Относительно данного вопроса среди учёных-богословов есть полемика. Следуя большинству авторитетных учёных шафи’итского мазхаба , дозволено переводить в транскрипции, поскольку это приносит пользу при обучении чтению .
Однако необходимо, чтобы процесс обучения проходил под руководством компетентного преподавателя, умеющего читать на арабском. Тому, кто не умеет читать правильно, запрещено заниматься самообучением по транскрипции. Также запрещается прикасаться и переносить транскрипцию без омовения . Тем не менее, разрешается разделять буквы аята для обучения студентов.
Аргументация:
سئل الشهاب الرملي هل تحرم كتابة القرآن العزيز بالقلم الهندي أو غيره فأجاب بأنه لا يحرم لأنها دالة على لفظه العزيز وليس فيها تغيير له بخلاف ترجمته بغير العربية لأن فيها تغييرا
«Имама Шихабуддина ар-Рамли спросили: "Запрещено ли писать текст на письме хинди или другими буквами?" На что он ответил: "Это не запрещено, поскольку эти буквы указывают на текст , и это не является изменением Священного текста Корана , в отличие от перевода на какой-либо язык, поскольку предполагает изменение Священного текста".
Также относительно этого вопроса имам ас-Суюти в книге "Аль-Иткан" приводит слова имама Аз-Заркаши:
لم أر فيه كلاما لأحد من العلماء ويحتمل الجواز؛ لأنه قد يحسنه من يقرؤه، والأقرب المنع انتهت، والمعتمد الأول
"Я не встречал касательно данного вопроса исчерпывающего мнения какого-либо ученого. Можно допустить, что это дозволено, поскольку человек , читающий с транскрипции, предположительно будет читать его правильно. Тем не менее, более соответсвует, что это недопустимо". А первое мнение (имама ар-Рамли) является более аргументированным.
وعبارة ق ل على المحلي وتجوز كتابته لا قراءته بغير العربية وللمكتوب حكم المصحف في الحمل، والمس انتهت
Имам аль-Кальюби в своих субкомментариях на шарх аль-Махали пишет следующее: "Писать транскрипцию не на арабском языке дозволяется, однако не дозволяется чтение на другом языке. Относительно написания транскрипции решение таково, каково оно относительно его переноса и прикосновения к нему"». (См.: Хашия аль-Джамал, т. 1, с. 76).
ويجوز كتابة القرآن بغير العربية بخلاف قراءته بغير العربية فيمتنع… وفائدة كتابته بغير العربية مع حرمة القراءة بها أنه قد يحسنها من يقرؤه بالعربية أي: ويحرم مسه وحمله، والحالة ما ذكر؛ لأنه مسمياتها ودوالها إنما هو القرآن؛ لأنه لو قيل لمن كتبه بالهندي: انطق بما كتبه نطق بلفظ القرآن
«Писать не на арабском языке (т.е. транскрипцию) дозволяется в отличие от чтения не на арабском. Чтение на аджаме (не арабский) запрещено. Польза от написания на аджаме вместе с запретом его чтения не на арабском – это вероятность того, что тот, кто читает текст согласно правилам
Если вы не можете правильно произнести дуа на арабском, то нет причины, по которой вам не следует делать дуа на родном языке, при условии что вы начнете изучать арабский. Что касается дуа не на арабском вне молитвы, то нет ничего неправильного в этом, особенно, если это позволит лучше сосредоточиться.
Шейх уль-Ислам ибн Теймия сказал: «Дозволено совершать дуа на арабском и не на арабском. Аллах знает о намерении просящего и что он хочет, не важно на каком языке он говорит, потому что Он слышит все голоса на всех языках, просящих о чем угодно» (Маджму аль-Фатава, 22-488-489).
На каком бы языке вы не просили Аллаха, Он все понимает, ведь Всевышнему известны как наши слова, так и наши мысли. Самое главное при произнесении дуа – ваша искренность и богобоязненность. Вы можете обращаться к Создателю с дуа, используя любые слова, выражающие покорность, смирение и повиновение Всевышнему Аллаху, которые могут приблизить вас к Нему.
Рафаэль
Все итальянское искусство 15-16 вв. в самой своей сущности проникнуто гармонией, грацией, чувством меры; разум и логика главенствуют в нем над чувством, смиряют самые безудержные порывы. И есть художник, при этом из самых великих во всей мировой истории, который нашел точку опоры для своих самых высоких устремлений.
Этот художник - Рафаэль. Сын художника и поэта - гуманиста, Рафаэль Санти рано достиг высших почестей. Уже и самых ранних его произведениях заметны зачатки нового идеала.
Примером этого может служить «Мадонна Конестабиле». Это одна их смаых ранних у Рафаэля воплощений образа Мадонны, занимавшего в его искусстве важное место. В отличие от мастеров 15 столетия, в картине молодого Рафаэля наметились новые качества, когда гармоническое композиционное построение не только не сковывает образы, а, напротив, воспринимается как необходимое условие того ощущение естественности и свободы, которые они порождают.
В еще более высокой мере эти качества сказались в лучшем из его ранних произведений - «Обручении Марии», в которой очень наглядно проявилось мастерство художественной организации всех элементов картины.
Творческий прогресс Рафаэля был настолько быстрым, что мастерская Перуджино стала для него слишком тесной. В 1504 году живописец перебрался во Флоренцию. Он с увлечением изучает создания таких мастеров как Леонардо и Микеланджело. Искусство для Рафаэля состоит в том, чтобы представить со всей очевидностью и совершенной ясностью истины теологии и истории. С точки зрения живописца, искусство повторяет акт божественного откровения. Правильность изображаемых форм Рафаэль выводит не из идеальных представлений, а из жизненного опыта. Прекрасное есть не что иное, как лучшее среди того, что существует в природе и отыскивается путем отбора и сравнения.
В целом успехи Рафаэля во Флоренции были настолько значительными, что сделали его имя широко известным. В 1508 году его приглашают в Рим к папскому двору. Став как бы официальным живописцем папского двора, он невольно приближается в своих созданиях к выражению всеобъемлющего религиозного идеала, - идеала неземной, мирной красоты и общей гармонии души и тела.
Рафаэлю были поручены росписи апартаментов папы - так называемых станиц (то есть комнат). Лучшие из ватиканских фресок Рафаэля принадлежат к величайшим созданиям ренессансного искусства. Они дают возможность проследить основные закономерности эволюции творчества Рафаэля и искусства этого периода в целом.
Взамен мифологии, украшавшей эти стены, Рафаэль сразу внес сюда атмосферу Возрождения. В четырех обширных композициях он изобразил аллегорически Религию, Искусство, Философию и Право.
Каждая из фресок - апофеоз вечной красоты. Каждая - апофеоз счастья человека, преображенного, возносящегося душой и мыслью к божеству. Трудно найти в истории искусств какой-либо другой художественный ансамбль, который производил бы впечатление такой образной насыщенности в плане идейном и изобразительно-декоративном, как ватиканские станицы Рафаэля. В отличие от Леонардо Рафаэль не томит нас своими тайнами, не сокрушает своим всевидением, а ласково приглашает на ладиться земной красотой вместе с ним.
«Рафаэль сознавал, - пишет Вазари, - что в анатомии он не может достичь превосходства над Микеланджело. Как человек большого рассудка, он понял, что живопись не заключается только в изображении нагого тела, что ее попечительство шире… Не будучи в состоянии сравняться с Микеланджело в этой области, Рафаэль постарался сравняться с ним в другой».
Рафаэль стремился к высшему синтезу, к лучезарному завершению всего, что было достигнуто до него, и этот синтез был им найден и воплощен.
Прошлое сливается с настоящим. Поэты классической древности общаются с поэтами Возрождения («Парнас»). Светскому и церковному законодательству воздается хвала («Юриспруденция»).
Но лучшей фреской станиц и величайшим произведением Рафаэля вообще следует признать «Афинскую школу». Композиция эта - одно из самых ярких свидетельств торжества в ренессансном искусстве гуманистических идей и их глубоких связей с античной культурой. Образ же совершенного человека обрел конкретное выражение это - Аристотель.
На картине обширный портик в стиле ренессанс. На вершине широкой лестницы стоят рядом Платон и Аристотель, занятые спором. Платон - представитель идеализма - указывает рукой на небо. Он похож на библейского пророка. Аристотель, напротив, протягивает руку вниз, указывая на землю, и как бы доказывая, что основанием системы должно служить изучение явлений природы на земле.
Аристотель - прекраснейшее творение земли. Его лицо, повернутое в сторону Платона, на фоне плывущих облаков, светится разумом и добротой. Спокойствие, умеренность, подлинная сила, повелевающая человеческими страстями, запечатлены в его образе. Идеальный тип человека, рожденный вдохновением Бальдассаре Кастильоне и гением Рафаэля вознесенный до истинного совершенства, нашел в нем наиболее цельное, законченное олицетворение.
Со всех сторон эти фигуры окружены группами философов, ученых и учеников. Они жадно вслушиваются в диспут двух великих учителей, другие заняты своими спорами. Особую рельефность приобрели характеристики действующих лиц.
Здесь фигурируют разные школы. Пифагор, Гераклит, Демокрит, Сократ и т.д. Невозможно перечислить всех изображенных здесь в живых и выразительных позах.
Вся картина представляет собой целый мир науки, философии и будет вечно вызывать восторг и удивление зрителя необыкновенной красотой гармонического целого и лежащей на ней печатью вдохновенного автора.
Как и прежде, важное место в тематике Рафаэля занимал образ Мадонны. Флорентийские мадонны Рафаэля - это и прекрасные, миловидные, трогательные и чарующие юные матери. Мадонны, созданные им в Риме, то есть в период полной художественной зрелости, приобретают иные черты. Это уже владычицы, богини добра и красоты, сулящие миру ту одухотворенную гармонию, которую они собой выражают. «Мадонна в кресле», «Мадонна с рыбой», «Мадонна дель Фолиньо» и другие, знаменуют новые искания Рафаэля, его путь к совершенству в воплощении идеального образа Богоматери.
«Сикстинская Мадонна» (так названная по имени монастыря, для которого был написан этот алтарный образ) - самая знаменитая картина Рафаэля.
Мария идет по облакам, неся своего ребенка. Слава ее ничем не подчеркнута. Ноги босы. Но как повелительницу встречает ее, преклонив колени, папа Сикст, облаченный в парчу; святая Варвара опускает глаза с благоговением, а два ангелочка устремляют вверх мечтательно-задумчивый взор.
Она идет к людям, юная и величавая, что-то тревожное затаив в своей душе; ветер колышет волосы ребенка, и глаза его глядят на нас, на мир с такой великой силой, словно он видит и свою судьбу, и судьбу всего человеческого рода.
Это не реальность, а зрелище. Недаром сам художник раздвинул перед зрителями на картине тяжелый занавес. Зрелище, преображающее реальность в величии вещей, мудрости и красоте, зрелище возвышающее душу своей абсолютной гармонией, покоряющее и облагораживающее нас, то самое зрелище, которого жаждала и обрела, наконец, Италия Высокого Возрождения в мечте о лучшем мире.
Во взгляде же Сикстинской Мадонны есть нечто такое, что словно позволяет нам заглянуть ей в душу. Она смотрит не на нас, а мимо или сквозь нас, - есть оттенок тревоги и того выражения, которое появляется у человека, когда ему вдруг открывается его судьба. Драматизм образа матери оттеняется в его единстве с образом младенца Христа, которого художник наделил недетской серьезностью и прозорливостью.
«Сикстинская Мадонна» дает наглядный пример, присущий рафаэлевским образам движений и жестов. В движении ее рук, несущих младенца, угадывается инстинктивный порыв матери, прижимающей к себе ребенка, и вместе с тем ощущение того, что сын ее не принадлежит только ей, что она несет его в жертву людям.
Рафаэль вырвал образ Мадонны из узкой сферы католических воззрений и претворил его в плоть и кровь. С другой стороны, в красоте человека он нашел божество.
Состояние души, уже покинувшей землю и достойной неба, есть глубокое, постоянное чувство, возвышенное, постигнувшего тайны неба, безмолвное, неизменяемое счастье, которое все заключается в словах: чувствую и знаю!
«Сикстинская Мадонна» - воплощение того идеала красоты и добра, который смутно воодушевлял народное сознание в век Рафаэля и который Рафаэль высказал до конца, раздвинув занавес, тот самый, что отделяет будничную жизнь от вдохновенной мечты, и показал этот идеал миру, всем нам и тем, кто придет после нас.
Творчество Рафаэля оказало большое влияние на развитие европейской живописи. Справедливы слова, принадлежащие другу художника Кастильоне: «окончилась его первая жизнь: его вторая жизнь - в посмертной его славе - будет продолжаться вечно в его произведениях и в том, что будут говорить ученые в его хвалу».
культура гедонизм возрождение
Термин «гуманизм» происходит от латинского «humanitas» (человечность), употреблявшегося еще в I в. до н.э. известным римским оратором Цицероном (106-43 до н. э.). Для него humanitas - это воспитание и образование человека, способствующее его возвышению.
Как направление в культуре, гуманизм возник в XIV веке в Италии и распространился в Западной Европе с XV века. Возрождение, или Ренессанс (от фр. renaitre - возрождаться) стало одной из самых ярких эпох в развитии европейской культуры, охватывающей почти три столетия с середины XIV в. до первых десятилетий XVII в. Это была эпоха крупных перемен в истории народов Европы. В условиях высокого уровня городской цивилизации начался процесс зарождения капиталистических отношений и кризис феодализма, происходило складывание наций и создание крупных национальных государств, появилась новая форма политического строя - абсолютная монархия, формировались новые общественные группы - буржуазия и наемный рабочий люд. Менялся и духовный мир человека. Человек эпохи Возрождения был охвачен жаждой самоутверждения, великих свершений, активно включался в общественную жизнь, заново открывал для себя мир природы, стремился к глубокому ее постижению, восхищался ее красотой. Для культуры Возрождения характерно светское восприятие и осмысление мира, утверждение ценности земного бытия, величия разума и творческих способностей человека, достоинства личности. Идейной основой культуры Возрождения стал гуманизм.
Родоначальником гуманизма единодушно считается поэт и философ Франческа Петрарка (1304-1374). Петрарка был первым великим гуманистом, поэтом и гражданином, который сумел прозреть цельность пред возрожденческих течений мысли и объединить их в поэтическом синтезе, ставшей программой грядущих европейских поколений. Своим творчеством он сумел привить этим грядущим разно племенным поколениям Западной и Восточной Европы сознание - пусть не всегда четкое - некоего духовного и культурного единства, благотворность которого сказывается и в современный наш век. Всемирно известной стала многолетняя история любви Петрарки к Лауре, выраженная поэтом в прекрасном цикле канцон и сонетов, опубликованных под названием «Книга песен». Эта книга, а также другие поэтические произведения Петрарки произвели на современников столь большое впечатление, что еще при жизни он признавался одним из величайших поэтов и был увенчан лавровым венком.
В его творчестве - начало многих путей, которыми шло развитие ренессансной культуры в Италии. В трактате «О невежестве собственном и многих других» он решительно отвергает присущую Средневековью схоластическую ученость, по отношению к которой демонстративно провозглашает свое якобы невежество, ибо считает такую ученость совершенно бесполезной дня человека его времени. Однако Петрарки не только поэт, но и своеобразный и интереснейший мыслитель, философ. Именно он первым в Европе сформулировал идеи гуманизма, начал говорить о необходимости возрождения античного духа, идеалов античности. Недаром уже вначале XV в. писали: «Франческа Петрарка был первым, на кого снизошла благодать, он признал и осознал и вывел на свет изящество древнего стиля, утраченного и забытого». Гуманизм принес в этическую мысль признание само ценности человеческой личности и земной жизни. Отсюда постепенно развились идеи счастья, справедливости и равенства людей. Вольно или невольно, но гуманистическое течение эпохи Возрождения способствовало утверждению прав личности и, в частности, признанию права на счастливую жизнь. Не стоит удивляться, что в дальнейшем гуманизм органично трансформировался в человеколюбие, пропагандирующее мягкость в отношениях, сострадание, милосердие, дружелюбие, а со временем и терпимость к инакомыслящим. Многие философские течения впитали в себя черты гуманизма. Гуманизм как явление оказался исторически изменяющейся системой воззрений. Зародившись в искусстве, он открыл дорогу науке, научно-технической революции, способствовал экономическому буму, просвещению, социальным преобразованиям и революциям.
Ренессанс отверг философию, опирающуюся па понятие человека-раба и противопоставил иную философию, опирающуюся на понятие человека-владыки, человека, познающего и покоряющего мир (С. Д. Артамонов).
Искусство Возрождения возникло в условиях переходного времени от феодализма к капитализму. По мере дальнейшего утверждения капиталистических отношений в Европе культура Возрождения неизбежно должна была распасться. Ее расцвет был связан с тем периодом, когда устои феодального общественного уклада жизни и мироощущения были, особенно в городах, основательно расшатаны, а буржуазно-капиталистические отношения еще не сложились во всей их торгашеской прозаичности, со всей их подлой «моралью» и бездушным лицемерием.
На первом этапе Возрождения личный труд ремесленника, особенно в области производства предметов домашнего обихода, еще не был полностью вытеснен, уничтожен мануфактурой; предприимчивый купец или банкир не превратился еще в безликий придаток к своему капиталу. Личная сметка, смелость, находчивость не утратили еще своего значения. Поэтому ценность человеческой личности определялась не столько «ценой» ее капитала, но и ее действительными качествами. Активное участие каждого горожанина в общественной жизни создавало особенно благоприятные обстоятельства для расцвета личности деятельной, полной энергии.
На смену критериям церковной морали, идеалу человека средневековья (монаху-аскету или воину-рыцарю «без страха и упрека») приходит идеал яркой сильной личности, стремящейся к счастью на земле, охваченной страстным стремлением развить и утвердить творческие способности своей активной натуры.
Огромное значение в формировании культуры Возрождения имело обращение к великому наследию античности, не полностью утраченному еще в средневековой Европе. Пафосом античной культуры явилось радостное и страстное стремление к познанию реального мира во всем его чувственном обаянии. Но образ человека Возрождения с самого начала отличался большей индивидуализацией и психологической конкретностью, чем в искусстве античной классики.
В XVI в. в Италии впервые появился термин гуманист, а в XIX в. - гуманизм (в переводе с латинского «человечность:»). Представители нового (направления этими терминами хотели показать светский характер своей пауки и литературы, освобождение их от засилья богословия.
Красотой естественных человеческих чувств, поэзией реальной человеческой жизни пронизано все искусство Возрождения XV- XVI вв.
В архитектуре идеалы жизнеутверждающего гуманизма, стремление к гармонически ясной красоте форм проявились в сооружениях светского назначения. Ратуши, лоджии, рыночные фонтаны, дома призрения получают особо широкое распространение и приобретают подчеркнуто монументальный и светский характер. Ярким примером архитектуры нового типа может служить Воспитательный дом итальянского зодчего Филиппо Брунеллески (1377-1446). Построен во Флоренции. Его открытая в сторону площади колоннада с красивыми полуциркульными арками выражала приветливость и гостеприимство.
Наряду с гражданской архитектурой, обслуживающей общественные интересы города, складывается совершенно новый вид архитектуры. Жилище богатого бюргера превращается в монументальный, пронизанный духом праздничной жизнерадостности дворец - палаццо. Палаццо наряду с ратушами и храмами в значительной мере определяли архитектурный облик ренессансного города в Италии.
Особое значение имело обращение к античной ордерной системе, разумность, логичность построения архитектурного сооружения, выявление тектонической логики здания. Не меньшее значение имела и гуманистическая основа ордерной системы, соотносимость ее масштабов и пропорций с масштабами и пропорциями человеческого тела.
Ученик и последователь Брунеллески Леон Баттиста Альберти (1404-1472) разработал планомерное применение античных ор-деров и показал в своей постройке палаццо Руччелаи во Флоренции способы их применения и сочетания.
Очень характерно для Возрождения широкое обращение к празднично-торжественным архитектурным сооружениям, на фоне которых выступает в монументальных скульптурных и живописных произведениях образ человека, господствующего над миром или активно борющегося в нем для достижения своих целей. Отсюда и земной, светский характер, свойственный большинству церковных сооружений, создаваемых в Италии на протяжении XV-XVI вв.
Ярким примером этого может служить собор св. Петра в Риме. Спроектированный великим итальянским зодчим Донато д"Анджело Браманте (1444-1514) в виде центрально-купольного сооружения в форме греческого креста с закругленными ветвями, мощным сферическим куполом над средокрестием, собор должен был представлять совершенно новый тип католическою храма, где пространство преобладает над массой, создавая необычный эффект «воздушности» и легкости постройки. После смерти Браманте в сооружении собора принимали участие почти все известные зодчие, находившиеся в Риме в первой половине XVI в. Строительство его приобретало особое значение в связи со стремлением пап укрепить позиции католицизма и папского государства. Здание должно было затмить собой руины языческих храмов и предшествовавшие ему христианские постройки.
В 1546 г руководство строительством собора перешло в руки великого гения итальянского Возрождения Микеланджело Буонарроти (1475-1564). Несмотря на многие изменения, привнесенные в проект предшественниками, Микеланджело достиг большей слитности всей композиции, где главное пространство (центральный купол с барабаном, окруженным колоннадой) получило безусловное преобладание над второстепенными ячейками сооружения (четыре малых купола). Таким образом, Микеланджело вернулся к центрическому плану, в чем проявилось торжество гуманистических идеалов.
Если в Италии разрыв со средневековой архитектурой носил более открытый и последовательный характер, то к северу от Альп (Нидерланды, Германия) новый тип архитектуры ренессансного города создавался в основном путем переработки готической архитектуры в духе большей гармоничности и повышенной праздничности форм.
В эпоху Возрождения искусство играло исключительную роль в культуре и определяло, в значительной мере, лицо эпохи. Отдельные цехи, соревнуясь друг с другом, украшали храмы и площади прекрасными произведениями. Представители богатых патрицианских родов как из личного честолюбия и политического расчета, так и из стремления к полноте наслаждения своими богатствами воздвигали великолепные дворцы, строили дорогие общественные сооружения, устраивали для граждан пышные праздничные зрелища и шествия.
Живописцы, ваятели, зодчие, движимые духом благородного соревнования, стремились в своих произведениях достичь наибольшего совершенства.
Характерной чертой искусства эпохи Возрождения явился небывалый расцвет реалистической живописи. Живопись впервые раскрывает заложенные в ней возможности широкого охвата жизни, изображения деятельности человека и окружающей его среды.
Увлечение наукой способствовало овладению анатомией человека, разработке реалистической перспективы, первым успехам в деле передачи воздушной среды, мастерству построения ракурсов, т. е. необходимой сумме знаний, которые позволили живописцам реалистически правдиво изображать человека и окружающую его действительность. Поэтому гениальный художник Леонардо да Винчи был и великим ученым. А работы лучших ученых и мыслителей были не только проникнуты духом своеобразной поэзии и образности, как например, у француза Френсиса Бэкона в его «Новом Органоне», но часто сокровенная суть взглядов этих ученых на общество выразилась в форме художественной литературы («Утопия» Томаса Мора).
Итальянские ученые выдвинули идеал универсального человека, обладающего основными познаниями во всех областях культуры. Присущая Ренессансу идея универсализма привела также к мысли о культуре общечеловеческой, преодолевающей узкие рамки стран и наций. «Тот, кто всему выучился, нигде не чужой; даже без состояния и друзей он - гражданин всякого города и смело может презирать все превратности судьбы», - писал Гиберти, один из гуманистов XV в.
Искусство Возрождения впервые в истории реализма нашло путь к созданию образа, в котором сочеталось яркое раскрытие индивидуального своеобразия личности с выявлением наиболее типичных и характерных качеств человека. Реалистический портрет Возрождения неразрывно связан с периодом его наивысшего расцвета, с именами ван Эйка, Леонардо да Винчи, Рафаэля, Дюрера, Тициана. Портрет Возрождения пронизан пафосом утверждения личности, сознанием того, что разнообразие и яркость индивидуальности ее есть необходимое условие нормально развивающегося общества.
Решая новые по своему характеру задачи, живопись развивала и совершенствовала свои технические средства. Широкое развитие, особенно в Италии, в монументальной живописи получила фреска (Джотто, Мазаччо, Рафаэль, Микеланджело). Почти полностью исчезла мозаика, достигающая богатых цветовых эффектов, но менее приспособленная для реалистической передачи объемов и форм. Техника темперы, особенно в искусстве раннего Возрождения, достигает своего наивысшего совершенства.
К величайшим созданиям ренессанского искусства принадлежат ватиканские фрески Рафаэля. Общая идейная программа фресковых циклов в станцах (комнатах) Ватикана, по замыслу папы Юлия II, должна была служить прославлению авторитета католической церкви и ее главы - римского первосвященника.
Тема росписи станци делла Сеньятура (комната подписи - здесь скреплялись печатью папские указы) - четыре области духовной деятельности человека. Богословие представляет фреска «Диспут», философию - «Афинская школа», поэзию - «Парнас», правосудие - «Мудрость, Умеренность и Сила».
Лучшей фреской станц и величайшим произведением Рафаэля вообще следует считать «Афинскую школу». Знаменитые философы прошлого - Диоген, Зенон, Сократ, Пифагор, Платон и Аристотель - олицетворяют собой мир созидательной творческой энергии во имя духовной свободы и познания Вселенной.
Дальнейшее развитие станцовой живописи, интерес к пластически выразительной лепке формы, а также пробудившийся в. 20-30-е гг. XVI в. интерес к эмоционально заострённому мазку вызвали обогащение техники масляной живописи. В ее развитии особую роль сыграли мастера Северного Возрождения: Ян ван Эйк, Рогир ван дер Вейден, Боутс, Иероним Босх и т. д.
В XVI в. техника масляной живописи становится господствующей. Величайшими мастерами этой техники были представители венецианской школы: Джорджоне, Тициан, Веронезе, Тинторетто.
Расширение круга потребителей искусства привело, особенно в северных странах Европы, к расцвету гравюры. Совершенствуется гравюра на дереве, резцовая гравюра па металле, зарождается и достигает своих первых успехов офорт. Гравюра и офорт заняли значительное место в творчестве Рембрандта, Дюрера, Гольбейна и Брейгеля.
Большое значение для расцвета гравюры имело открытие и широкое распространение книгопечатания. Гравюра широко использовалась для художественного оформления и иллюстрирования печатной книги. Ряд издателей в Италии, Нидерландах, Германии, Франции создает неповторимые по своему высокому мастерству художественные издания. Французский юрист Де Ту писал: «Франция более обязана Роберу Этьену, усовершенство-вавшему книгоиздательство, чем величайшим полководцам, расширившим ее границы».
В отношении круга сюжетов изобразительное искусство Возрождения в основном продолжает обращаться к традиционным мотивам, почерпнутым из христианских мифов и сказаний, широко дополняя их сюжетами из античной мифологии.
Великий художник немецкого Возрождения Альбрехт Дюрер писал, ссылаясь на авторитет античных мастеров: «Не убивайте со зла благородного искусства, которое было найдено и накоплено с великим трудом и старанием. Ведь искусство велико, трудно и благородно, и мы можем обратить его во славу божью. Ибо как они дали своему идолу Аполлону пропорции прекраснейшей человеческой фигуры, так мы хотим теми же мерами воспользоваться для господа нашего Христа, прекраснейшего во всем мире». Далее Дюрер утверждает свое право на воплощение образа Марии в облике прекраснейшей женщины Венеры и Самсона в облике Геракла.
По существу это означало решительное изменение всего содержания старых христианских сюжетов и мотивов. Красота естественных человеческих чувств, поэзия реальной жизни решительно вытесняли мистическую отчужденность образов средневековья.
Значительная часть произведений, написанных на религиозные темы, имела культовое назначение, т. е. предназначалась для церквей и соборов. Но по своему содержанию эти произведения носили подчеркнуто реалистический характер и по существу своему были посвящены утверждению земной красоты человека.
Такова, например, Сикстинская мадонна Рафаэля Санти (1483-1520), исполненная для монастыря в Пьяченце. Необычайную прелесть мадонны современники обозначили термином «грация» (изящество). «Для того, чтобы написать красавицу, - говорит Рафаэль в одном из своих писем,- нужно видеть много красивых женщин; но т. к. красавицы редки, а правильный выбор труден, то художник пользуется «некоей идеей», которая складывается у него в голове и которой он старается следовать».
Вместе с тем возникают в качестве самостоятельных жанров и чисто светские роды живописи: индивидуальный и групповой портрет. В период позднего Возрождения начинают формироваться жанры пейзажа и натюрморта.
В скульптуре, особенно в статуях, посвященных мифологическим, библейским, а также и реальным современным деятелям, утверждаются в героизированной и монументальной форме типичные черты и качества человека того времени, раскрывается страстная сила и энергия его характера.
Ярким примером может служить гигантская мраморная статуя Давида (5,3 м) Микеланджело. Великий скульптор вопреки библейскому мифу и установившейся традиции изобразил этого победителя не мальчиком, а юношей, и не после победы, а перед битвой. Специальная комиссия крупнейших художников в 1504 г. решила установить эту статую перед дворцом Синьории во Флоренции как символ того, что «правители должны мужественно защищать народ и справедливо им управлять».
Широкое распространение получает перспективный многофигурный рельеф. В нем художник сочетал пластическую наглядность скульптуры и свойственную живописи глубину перспективно построенного пространства, стремился изобразить сложные события с участием большого количества людей.
Яркой иллюстрацией может служить рельеф «Битва кентавров» - одна из первых, дошедших до нас, скульптурных работ Микеланджело. Несмотря на то, что произведение выполнено семнадцатилетним юношей, в нем выдвигается основная тема искусства Микеланджело - тема борьбы как апофеоз героического человека, его силы и красоты.
Если на начальных этапах Возрождения все виды искусства еще тесно связаны с художественным ремеслом, то к началу Высокого Возрождения происходит выделение живописца и скульптора из среды ремесленников. Мастер живописи или ваяния - это артист, яркая, одаренная творческая личность, полностью отделившаяся от остальной массы ремесленников. В случае успеха он - богач, занимающий видное место в обществе. Но свобода творчества таила в себе и опасность неустроенности личной судьбы, элементы конкуренции и соперничества. Новое положение художника в общественной жизни также таило в себе опасность разрыва между «высоким» и «ремесленным» искусством.
Значительно позднее эта опасность особенно пагубно сказалась на прикладных искусствах. В период же Возрождения взаимосвязь не была еще полностью нарушена. Например, стоит лишь вспомнить замечательные ювелирные изделия ваятеля позднего Возрождения Челлини, деятельность француза Паллиси, соединившего в своем лице крупного ученого-гуманиста и мастера майолики.
Не случайно, что в эпоху Возрождения не только расцветали почти все известные ранее виды прикладного искусства, но и получили дальнейшее свое развитие такие его отрасли, как ювелирное дело, художественное стекло, роспись по фаянсу и т. д. Жизнерадостность и звучность красок, изящное благородство форм, глубокое чувство единства стиля характерны для прикладного искусства Возрождения.
Подытожить все вышеизложенное можно словами великого Гегеля: «Возрождение наук, расцвет изящных искусств и открытие Америки и пути в Ост-Йндию можно сравнить с утренней зарею, которая после долгих бурь впервые опять предвещает прекрасный день. Этот день был днем торжества всеобщности, который, наконец, наступает после продолжительной, богатой последствиями и ужасной ночи средних веков. Этот день ознаменован развитием науки, искусства и стремлением к открытиям...»
5. ДРЕВНЕРУССКОЕ ИСКУССТВО (IX-XVII вв.)
Древнерусское искусство - создание коллективного многоликого гения народной традиции.
Н. А. Дмитриева
Более семисот лет охватывает период древнерусской художественной культуры. Истоки ее восходит к жизни восточнославянских племен докиевского периода. Через многообразие культурных явлений и форм просматриваются и общие черты: сильное влияние религии (христианско-языческое двоеверие), традиционность и замкнутость (локальность), а также преимущественное следование канону и анонимность (имперсональность).
Искусство Древней Руси включает в себя искусство Киевской державы, мощного Владимиро-Суздальского княжества, Новгородской боярской республики и искусство Москвы, возглавившей борьбу за объединение страны после тяжких испытаний монголо-татарского нашествия.
Древнерусское государство - наша национальная гордость, яркое воплощение идеалов русского народа. Стремление к душевной чистоте и способность к состраданию, стойкость и богатырский размах, любовь к родной земле, трудолюбие, терпимость и восприимчивость - эти лучшие черты национального характера питали великие творения древнерусского искусства.
Правдивость и искренность, тяга к гармонии и единению с народной жизнью, с родной природой, особенная сердечность и задушевность, глубинное проникновение в человека и его предназначение составляют самобытный вклад древнерусских мастеров в сокровищницу общечеловеческих ценностей.
Русь домонгольская (IX - начало XII вв.)
Образование древнерусского государства - Киевская Русь - завершилось к IX веку. Одно из крупнейших государств средневековой Европы - Русь-исторически представляло собой зону политических, торговых и культурных контактов между Скандинавиейи Византией, Западной Европой и Арабским Востоком и творчески усваивала влияние извне, опираясь на собственную культуру, сложившуюся в эпоху язычества.
Неизвестный русский автор «Слова об идолах» (XII в.) выделил три этапа развития славянского язычества. На первом славяне «клали требы (жертвы) упырям и берегиням, злым и добрым духам, управлявшим стихиями. На втором этапе поклонялись древнейшему земледельческому божеству Вселенной Роду и рожаницам, божествам благополучия и плодородия. Праздник Рода и рожаниц - это праздник урожая. Род давал жизнь всему живому и стал источником корневых понятий: народ, природа, родня, родина... На третьем этапе сложился государственный культ княжеско-дружинного бога войны Перуна, ранее почитавшегося богом грозы, а Род стал покровителем семьи, дома».
Среди важнейших божеств в доперуново время - Сварог (бог неба и небесного огня), его сыновья - Сварожич (бог земного огня) и Даждьбог (бог солнца и света, податель всех благ), среди солярных богов (солнечных) - Коляда, Купало, Ярило, позднее - Хорс. Стрибог почитался богом воздушных стихий, а Велес (Волос) - покровителем скота и богатства. Культ Велеса был распространен во всех славянских землях, его именем клялась вся Русь. В дружинной среде Велеса считали покровителем искусства - музыки и песен; недаром в «Слове о полку Игореве» легендарный певец Боян назван велесовым внуком.
Местом отправления культа служили капища, требища, храмы, в которых волхвы (жрецы) молились, совершая обряды, и приносили богам жертвы.
Духовные устремления наших предков ярче всего проявились в культе природы, глубоко поэтическом и развитом. Жизнь древнего славянина подчинялась календарно-земледельческому кругу и сопровождалась торжественными празднествами. Новый год славяне начинали с марта, когда, по преданию, светлые боги приступали к созданию своего благодатного царства, был сотворен мир и первый человек. Масленица и закликание весны, семик, или русальная неделя, летний праздник Ивана Купалы, зимний Коляды и т. д. сопровождались обрядовыми игрищами с хоровыми песнями и плясками. Именно в фольклоре и декоративно-прикладном народном искусстве сохранилась более всего художественная культура древних славян, веками питавшая и музыкальную культуру, и русскую словесность. Ведь с языческим прошлым связано рождение и сказок, и былинного эпоса.
Художественная культура славянских племен, а также античного и скифского Причерноморья способствовала созданию самобытной культуры средневековой Руси. С другой стороны, она формировалась в процессе творческого восприятия христианской культуры византийского образца.
Насаждаемый сверху переход от языческого многобожия (политеизма) с его первобытным равенством к единобожию (монотеизму) христианской религии, освящавшей централизованную власть и социальное неравенство, продолжался веками. Христианство на Руси утверждалось иногда силой, но чаще оно приспосабливалось к языческому мировоззрению.
Согласно летописи, в 980 г. киевский князь Владимир Святославич, увидев «заблуждения язычества», совершил второе, решающее (после принятия христианства киевскими князьями Аскольдом и Диром еще в 860-е гг.) Крещение Руси. Выбор веры, по преданию, носил эстетический характер: послов Владимира потрясли красота, величие и великолепие византийского богослужения.
С принятием христианства начинается формирование официальной, государственной культуры и сложный процесс взаимодействия ее с народной культурой.
Принятие православия, допускающего богослужение на национальных языках, способствовало распространению письменности, а также формированию древнерусской литературы, ее питали как устное народное творчество, так и переводная литература Греции, Египта, Иудеи и Сирии. Среди литературных жанров выделяются летописи («Повесть времен ных лет» монаха Киево-Печерского монастыря Нестора), жития святых («Житие преподобного Феодосия Печорского» Нестора), поучения (Владимира Мономаха) и «хождения» (игумен Даниил о паломничестве в Палестину). Уцелело немного литературных памятников Киевской Руси, но они свидетельствуют о гражданственности, патриотизме, благородстве образов реальных исторических лиц и событий.
В целом искусству раннего средневековья, домонгольской поры, присуща такая отличительная черта как монументальность форм. Особое место занимает архитектура. Усваивая византийскую крестово-купольную форму храма, русские мастера использовали также традицию деревянного зодчества - многоглавие.
Первый, упомянутый в летописи, известный каменный храм Киевской Руси - храм Успения Богородицы, или Десятинная церковь - огромное 25-главое шестистолпное сооружение. Вокруг него располагались княжеский дворец, хоромы дружины и городской знати. Во время нашествия церковь была разрушена.
Самый известный из памятников - София Киевская. Этот главный собор, построенный при Ярославе Мудром, представляет собой пятинефный, пятиапсидный, 13-купольный храм. Интерьер богат и живописен. По образцу Софии Киевской возводили Софийские соборы в Новгороде и Полоцке. Хотя каменное строительство велось на Руси X-XI вв. в основном византийскими зодчими, эти постройки отличались от византийских многоглавием, пирамидальностью и новыми строительными материалами.
Живопись Киевской Руси также представлена монументальными формами - мозаикой и фреской. Систему росписи храмов русские мастера восприняли от византийцев, внеся и национальные черты. Живописный канон представляет собой «евангелие для неграмотных». Мозаики покрывали центральный купол, подкупольное пространство (Христос Вседержитель в центральном куполе и Богоматерь Оранта в алтарной апсиде). Остальная часть храма украшена фресками (сцены из жизни Христа, Богоматери, проповедников, мучеников и др.). Уникальны светские фрески. Например, два групповых портрета Ярослава Мудрого с семьей, фигуры скоморохов, музыкантов и т. п.
В XI в. время первого расцвета переживает иконопись. Было создано множество произведений этого вида станковой живописи. Сохранилось имя знаменитого иконописца Алимпия Печерского, ему приписывают создание иконы Оранты Ярославской, или Великой Панагии. Иконы почитали как видимый символ невидимого мира. По приданию, древнейшие иконы явились чудесным образом («Спас Нерукотворный») либо написаны с натуры (Богородица евангелиста Луки).
Церковь требовала соблюдения иконописного канона. Условность письма: плоскостность, удлиненность фигур, обратная перспектива и вневременность, золотой фон как символ божественного света - подчеркивали возвышенную духовность образов. Богословие в образах, красках, жестах, надписях и текстах - таково предназначение иконы. Чтобы следовать иконографическому канону, мастера пользовались иконописными подлинниками, а также толковыми (словесное описание сюжета) и лицевыми прорисями.
Расцвет культуры домонгольской Руси (XII - начало XIII вв.)
После распада Киевского государства образовался ряд самостоятельных княжеств - Владимиро-Суздальское, Новгородская республика и др.; единый историко-культурный процесс разделился на несколько потоков, но сохранилось исконное духовное единство Руси.
В это время родилось великое «Слово о полку Игореве» и «Моление Даниила Заточника». Архитектура отличается уменьшением объемов и упрощением конфигурации каменных зданий. В Новгороде сложился собственный тип храма. Торговому городу была чужда киевская изысканная роскошь. Традиционной становится небольшая кубической, формыодноглавая церковь с одной или. тремя апсидами без резного декора, т. к. местный камень плохо поддавался резьбе (церковь Спаса на Нередице).
Во Владимиро – Суздальском княжестве особенно активно каменное строительство велась при Андрее Боголюбском. Знаменит Успенский собор - величественный пятиглавый храм, украшенный резным аркатурным поясом - дом Богоматери. А при впадении Нерли в Клязьму, на высоком искусственном холме вознеслась церковь Покрова, памятник мировой архитектуры. Посвященный новому празднику богородичного цикла, этот храм, по преданию, построил князь Андрей Боголюбский, печалясь о смерти сына Изяслава. Одноглавая церковь Покрова поражает гармонией пропорций и поэтичностью образа, устремленностью к небу.
С закатом Киевской державы отошло в прошлое и дорогостоящее искусство мозаики, или «мерцающей» живописи.
В это время на Руси появляется икона «Богоматерь Умиление» из Византии, получившая название «Владимирская Богоматерь», (ГТГ), именно для нее строили Успенский собор во Владимире. Драматическая судьба иконы и удивительная красота и проникновенность сделали ее одной из самых прославленных на Руси.
Новгородская школа этого периода может быть представлена иконами византийско-киевской традиции. Это «Спас Нерукотворный» (ГТГ). На русских воинских хоругвях изображали именно этот образ Христа-триумфатора. Монументальна икона «Устюжское благовещение» (ГРМ). Широко известна и икона «Ангел златые власы» (ГРМ). Суровость и внушительность образов, сочетание контрастных цветов, укрупнение форм - отличительные черты новгородской школы.
На самом высоком уровне развитие древнерусской культуры было прервано монголо-татарским нашествием.
Русская культура второй половины XIII-XV вв.
Если время с 1240 г. до середины XIV в. отмечено заметным упадком во всех областях культуры в связи с нашествием и вторжением западных феодалов (немецких, тверских, датских, венгерских, литовских и польских), то период со 2-й половины XIV в. до конца XV в. являет собой подъем национального самосознания, стремление к объединению русских земель во главе с Москвой. Разгром Византии и установление на Балканах турецкого владычества усилили значение Московской Руси как центра православия.
Борьба против монголо-татар стала главной темой фольклора в былинах и новом жанре исторической песни (например, об Авдотье-Рязаночке, возглавившей строительство новой Рязани). Ведущим жанром в литературе, становится воинская повесть («Слово о погибели земли русской», « Повесть о разорении Рязани Батыем»), а позже возникают исторические произведения о победе над татарами («Сказание о Мамаевом побоище», летописная повесть о Куликовской битве, «Задонщина», близкая «Слову о полку Игореве»).
Самостоятельное развитие новгородского зодчества привело к созданию простого и конструктивно ясного, классического типа одноглавого храма с богатым наружным декором (церковь Федора Стратилата, Спасо-Преображения па Ильине), аналога ему нет в архитектуре других стран.
В Пскове развивалось в основном оборонное зодчество. Крепость Изборск - одно из крупнейших сооружений Древней Руси. XV в. - время бурного развития Псковской архитектуры, было возведено 22 церкви.
В «послекуликовский» период каменное строительство и в Московском княжестве приобретает большой размах. Строились церкви в Москве, Коломне, Звенигороде, Можайске, Дмитрове, Раннемосковское зодчество создало новый тип одноглавого храма башнеобразной конструкции на высоком цоколе, со сложным верхом, увенчанным ярусами килевидных закомар и кокошников, с куполом на высоком барабане и системой лестниц к перспективным порталам (Троицкий собор Троице-Сергиева монастыря, Спасский собор Спасо-Андронникова монастыря в Москве).
Длительная изоляция Руси от Византии и разобщенность русских земель подтолкнули формирование в XIII в. новгородской и ростовской школ живописи, а в XV .в. - тверской, псковской, московской и вологодской. Более всего сохранились новгородские памятники. Своеобразным «бунтом» против византийской традиции стали краснофонные иконы («Святые Иоанн Лествичник, Георгий и Власий», ГРМ). От парадного искусства в них яркие краски, орнаментальность, графическое построение формы («Никола Липенский», Новгородский музей).
В XV в. монументальная фресковая живопись Новгорода переживает расцвет. Огромное влияние оказал на нее великий византиец Феофан Грек. В 1378 г. он расписал церковь Спаса па Ильине.
В куполе - Христос Пантократор (Вседержитель), и барабане - про роки, в апсиде - причащение (евхаристия) и святители. Живописная ма нера Ф. Грека отливается мощью и смелостью: широкие удары кисти, уверенно положенные блики (как знаки божественной энергии), преобладание красно - коричневых и желтых охр - все выразительные средства на-правлены на воплощение страстного духовного горения.
К числу оригинальных икон относится новгородское «Отечество», трактуюшее Троицу не в виде трех ангелов Бог отец - это убеленный сединами старец на престоле, Бог-сын - отрок, Дух святой - голубь. Такая конкретная форма понадобилась для борьбы с ересью, отвергавшей догмат Святой Троицы. В XV в. появляется новый тип двух-трехчастной иконы, воспринимающейся как историческая картина («Чудо от иконы Знамения пресвятой Богородицы» пли «Битва новгородцев с суздальцами»).
Московская живопись по размаху и разветвленности в XIV-- XV вв. не знала себе равных. Ко времени переезда Ф. Грека в Москву здесь сложилась самобытная художественная традиция. Московские мастера учатся у Феофана, но не подражают ему. Под руководством греческого мастера были расписаны церковь Успения Богородицы, Архангельский и Благовещенский собор Московского Кремля. Лучшая из сохранившихся икон круга Феофана - «Богоматерь Донская» из Успенского собора Коломны с «Успением Богородицы» на обороте (ГТГ).
В работе над созданием иконостаса Кремлевского Благовещенского собора встретились Феофан Грек и Андрей Рублев - величайший художник Древней Руси. Высокий иконостас - это русское национальное явление, в его становлении сыграли большую роль эти выдающиеся иконописцы.
Полнота единения с Богом в молитве - эту идею в хоровом звучании воплощает композиция иконостаса, спаянная также и художественными средствами общего ритма и цветового строя. Ряды икон (чины) соотносились с архитектурой храма и живописью на стенах. Читается пятиярусный иконостас «хронологически »: сверху - праотеческий ряд ветхозаветной церкви от Адама до Моисея с новозаветной Троицей в центре; ниже -пророческий ряд и Богоматерь с младенцем на центральной иконе; далее праздничный чин событий из жизни Христа и Богородицы от рождества ее до успения; затем деисусный ряд икон молящих Спаса (в центре) о милости; внизу располагался местный чин - рад икон, особо почитаемых в данной местности, и храмовая икона (справа от царских врат).
Кисти Феофана Грека в Благовещенском соборе принадлежат 7 икон деисуса, а 7 икон праздников, по-видимому, написаны Андреем Рублевым. Об этом гениальном иконописце известно немного. В Успенском соборе Владимира он участвовал в создании монументального иконостаса в 6 м высотой из 61 иконы, в числе лучших его икон «Богоматерь Владимирская». Чудом сохранился Звенигородский чин: «Архангел Михаил», «Апостол Павел», «Спас» - гениальный образ Христа - учителя истины.
Самое совершенное творение А. Рублева - «Троица», писанная в похвалу духовному учителю Сергию Радонежскому для Троицкого собора Троице-Сергиева монастыря. Содержание иконы не ограничено богословскими идеями о таинстве причастия и триединстве божества, она несет в себе и величественную идею соборности, духовного единения людей как условия подлинной свободы человечества.
Русская культура конца XV-XVI вв.
После двух с половиной веков почти полной изоляции культура молодого Российского государства вошла в соприкосновение с ренессансной культурой Запада, укрепляя свое положение среди европейских государств.
Наряду с исторической песней появляется народная баллада («Гнев Ивана Грозного на сына», «Оборона Пскова»). Развивается светская публицистика и историческая литература, проникнутая идеей укрепления самодержавия и его союза с церковью. Появляется и новый жанр остросюжетной повести, его героем стал активный торговый люд.
Выдвижение Москвы сопровождалось размахом строительства. Рядом с искуснейшими мастерами со всей Руси работали и лучшие зодчие Европы, создавая общерусский архитектурный стиль. В Кремле на месте старых храмов времен Ивана Калиты возводились новые. Первым был построен Успенский собор (итальянский архитектор Аристотель Фиораванти) - величественный крестово-купольный пятиглавый храм с единым внутренним пространством. Благовещенский собор, домовую церковь великих князей строили псковские мастера. Среди традиционных образов святых условные портреты великих русских князей и византийских императоров. Архангельский собор (итальянский архитектор Алевиз Новый) соединил в себе традиционные элементы и черты итальянской дворцовой архитектуры XV в. (раковины в закомарах, орнаментированные порталы, круглые венецианские окна). В этом соборе - государственном некрополе - хоронили великих князей и царей. Завершает ансамбль Соборной площади Грановитая палата (Марко Руффо, Пьетро Антонио Солари), имевшая 500-метровый квадратный зал, перекрытый четырьмя крестовыми сводами с мощным опорным столбом посередине.
В начале XVI в. в каменном зодчестве возникает новый тип шатрового храма, возродивший традицию русского деревянного зодчества. Знамениты два храма, связанные с именем Ивана Грозного. Церковь Вознесения в Коломенском воздвигнута в честь рождения маленького Ивана IV (будущего Грозного) - наследника престола; церковь-памятник во славу родной земли. Вариантом шатрового храма был и собор Василия Блаженного
(Покрова на рву) - храм мемориальный в память покорения Казанского ханства, построенный зодчими Бармой и Постником под стенами Кремля. Вокруг центрального шатрового «столпа» восемь меньших, увенчанных причудливыми главами - многонациональная сказочная каменная поэма. Это был взлет архитектурного гения русского народа. Стоглавым собором 1551 г. шатровые постройки как противоречащие византийским образцам были запрещены.
Среди живописцев второй половины XV в. выделяется Дионисий. Он и продолжает «рублевское» направление, и отступает от него. Мирянин, видимо, знатного происхождения, Дионисий возглавлял большую артель, выполнявшую княжеские, монастырские и митрополичьи заказы. Известны его иконы «Спас в силах» и «Распятие» (ГТГ) и житийные - митрополитов Петра и Алексия. Самым замечательным памятником Дионисия являются фрески Рождественского собора Ферапонтова монастыря па Вологодчине, объединенные ярко-лазурным тоном - ликующее славословие в красках. Место рублевской глубины и простоты занимает у Дионисия праздничная торжественность, уравновешенная и декоративная. После Дионисия эпическая песнь Древней Руси постепенно затихает. Постановлениями Стоглавого собора искусство становится орудием в руках церкви, а она сама - орудием деспотического самодержавия. В условиях церковного надзора затухало настоящее творчество, преобладал шаблон и ремесленничество.
Средствами искусства государство стремилось возвеличить официальные политические идеи в иконописи историко-аллегорического жанра о торжественном возвращении Ивана Грозного из покоренной Казани - «Благословенно воинство небесного царя». Идея «Москва - Третий Рим» воплотилась в росписях Новодевичьего монастыря.
Именно в XVI в. сложилась культура великорусской народности и начинается история культуры русского народа в собственном смысле слова, а развитие древнерусской художественной культуры вступает в завершающую фазу.
6. ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА ДРЕВНЕГО РИМА
Столетий и племен смиряя спор, ...Всем дав участье на вселенском пире. Рим над землей крыло свое простер. Все истины, что выступали к свету, Под гул побед, под сенью римских прав, Переплавлялись властно в новый сплав. -...Рим до конца исполнил труд владыки, Он был свершен, когда под вопль и крики Сонм варваров Империю свалил.
В. Брюсов. «Светоч мысли»
Свободой Рим возрос, а рабством погублен.
А. Пушкин. «Лицинию»
Римская цивилизация стала эпохой наивысшего расцвета античной культуры и вместе с тем ее последней страницей. Римское государство прошло путь от сельской общины на р. Тибр до мировой державы. «Вечный город» распространил свою власть от Британских островов до берегов Северной Африки, от Геркулесовых столбов (Гибралтар) до глубинных областей Азии.
Римская культура (VIII в. до п. э. - V в. п. э.) была явлением значительно более сложным, чем греческая. В ее формировании приняли участие многие племена и народы, подчинившиеся римской власти - население Италии, греческих областей, эллинистических государств (Египет, Пергам и пр.). Сформировался синтез греческой и римской культур - позднеантичная греко-римская культура (I-V вв. н. э.). Именно она легла в основу средневековой цивилизации Византии, Западной Европы и многих славянских государств.
Само слово «Рим» стало синонимом величия, славы и военной доблести, богатства и высокой культуры. «Все дороги ведут в Рим», - гласила известная поговорка о столице мира. И весть о падении «Вечного города» (476 г. н. э.) была подобна удару грома, поразившего современников.
В Риме всегда господствовало представление об особой богоизбранности римского народа и самой судьбой предназначенных ему победах. Патриотизм, готовность пожертвовать жизнью за родину, уважение и любовь к героическому прошлому, традициям предков - на этом стояла римская идеология.
Делами, единственно достойными римлянина, особенно знатного патриция, признавались политика, война, земледелие и правотворчество. Государственное управление и право, дорожное строительство и военное искусство достигли у римлян совершенства, литература и искусство успешно привились на греческом стволе. Однако на труд скульптора смотрели как на ремесло, о чем свидетельствует анонимность римского скульптурного портрета, в частности.
В античный гуманизм римляне внесли черты аналитического миропонимания: суровая проза, точность и историзм мышления легли в основу культуры, далекой от возвышенной поэтичности мифотворчества греков. Практицизм пронизывает все сферы римской культуры.
Если гений греческого народа - гений художественный, то римский гений-политический, постоянно стремившийся к расширению сфер своего влияния и государственных интересов. Внешняя история Рима - история беспрерывных войн. Внутренняя история беспокойна и кровава. Не утихала борьба между плебеями и патрициями, между политическими партиями, аристократическими семьями.
Вся писаная история, легенды и религия, различные виды искусства должны были утверждать идею военного могущества римлян, якобы изначально предопределенного, вечного и незыблемого.
Особенное влияние на развитие римской художественной культуры оказала религия, прошедшая путь развития от религии общин (фамильной, соседской и гражданской) к мировой религии христианства в эпоху кризиса рабовладельческой империи.
«Греция, взятая в плен, победителей диких пленила» - эта фраза римского поэта Горация говорит и о заимствовании римлянами греческого пантеона богов.
Именно у греков римляне переняли обычай возводить богам статуи и поклоняться им и храмах. Греческого Зевса отождествили с римским Юпитером, его жену Геру с Юноной, Аида с Плутоном, Ареса с Марсом, Афродиту с Венерой, Артемиду с Дианой, Афину с Минервой, Гефеста с Вулканом, Гермеса с Меркурием, Посейдона с Нептуном, Диониса с Вакхом и т. д.
Именно греческая скульптура, точнее ее копирование римскими мастерами, сыграла особенную роль в утверждении и распространении императорского культа со времен Октавиана Августа. Однако в центре римской мифологии и религии - «Римский миф», формировавшийся накануне победоносных Пунических войн с Карфагеном и после них. Несмотря на огромное военное превосходство Рима, страны с более древней культурой считали римлян «варварами». Созрела необходимость обосновать «законное» место среди «великих держав». Отсюда увлечение греческой культурой, стремление связать происхождение римлян и италиков с греками и троянцами. Множились рассказы о героических деяниях «предков»: о герое Энее, сыне богини любви Венеры, спасшемся из-под Трои, о его потомках Ромуле и Реме, вскормленных волчицей, и т. п.
Античная традиция приписывает основание Рима, происшедшее в 753 г. до н. э., легендарному Ромулу, когда Рем перескочил борозду, обозначившую границы нового города, и был во время ссоры убит братом. Ромул стал первым римским царем, а новый город получил его имя.
С распространением императорского культа цезарей сенат еще при жизни причислял императора к сонму богов, учреждая для него храмы. Личность властелина символизировала могущество Рима. Его культ объединялся с культом богини Рома, опекавшей Вечный город.
Покоренные Этрурия и Греция одарили Рим достижениями в зодчестве, которые римская архитектура воплотила с невиданным ранее размахом градостроительства в соответствии со стратегическими планами и имперскими амбициями. Римская архитектура грандиозна, величественна, помпезна и обладает конкретно-историческим содержанием, а также высокой степенью практической целесообразности, новизной методов строительства и конструктивных решений. К числу римских достижений относится изобретение бетона, широкое использование арки и возведение сферического купола.
Потребности римского общества породили новые типы сооружений: амфитеатры для гладиаторских игр и звериной травли, термы - грандиозные римские бани, триумфальные арки и колонны, императорские форумы и святилища (Баальбек) и др. Дворцы, особняки, виллы, театры, храмы, мосты, надгробные памятники и т. п. получили на римской почве новое архитектурное решение. Рационализм, лежащий в основе римской архитектуры, проявлялся в пространственном размахе, целостности гигантских архитектурных комплексов, строгой симметрии геометрических форм.
Всемирно известны римские водоводы-акведуки, первая из мощеных дорог - Аппиева - «царица дорог», строившаяся свыше 100 лет, с 312 г. до н. э., и названная в VII в. одним из чудес света.
Сохранились мемориальные триумфальные арки императоров Тита (в честь взятия им Иерусалима) и Константина Великого. Оригинальным памятником явилась и 30-метровая колонна императора Траяна перед его храмом, украшенная двухсотметровым ленточным рельефом, давшим яркие образцы исторического рельефа, с документальной точностью передающего картины походной жизни и эпизоды войн с драками.
Бесспорно, самые грандиозные памятники античного Рима- Колизей и Пантеон.
Самое гигантское зрелищное сооружение Древнего Рима - амфитеатр Флавиев (75-82 гг. н. э.) - в своей каменной чаше вмещал около 50 тысяч зрителей.
Название Колизей произошло от стоявшего рядом колосса - статуи Нерона, позднее переделанной в фигуру Гелиоса. Внешний вид Колизея с его могучим упругим овалом исполнен суровой энергии. Это ощущение рождают не только масштабы здания (высота около 50 м, диаметр 156 м и 188 м), но и торжественная мощь простых арочных ритмов. Четыре яруса украшены элементами трех ордеров: внизу - тосканским (заимствованным уэтрусков), выше - ионическими полуколоннами, третий ярус и четвертый (мощный каменный пояс наверху) в коринфском стиле; каменное кольцо завершая арочную композицию амфитеатра, создает ощущение сдерживаемой силы. Даже в развалинах, без статуй, некогда его украшавших, Колизей дышит несокрушимой мощью.
По грандиозности замысла и широте пространственного решения с Колизеем соперничает Пантеон (118-125 гг.) - «храм всех богов», построенный греческим зодчим Аполлодором из Дамаска при императоре Адриане и посвященный главнейшим римским богам.
Внутри в семи нишах восседали Юпитер, Марс, Венера, Рома и другие божества. Пантеон представляет собой монументальную гладкостенную ротонду, увенчанную полусферическим куполом, вход в храм украшен широким шеснадцатиколонным портиком: композитного (смешанного) ордера. Некоторая тяжеловесность, массивность внешнего облика храма искупается небывалым простором залитого светом из круглого девятиметрового отверстия, прозванного «око Пантеона», величественного шарового пространства (диаметр круглого храма и высота чуть более 40 метров). Интерьер Пантеона вызывает чувство покоя и величавой возвышенной гармонии. До конца XIX в. его купол оставался самым большим в мире. В эпоху Средневековья Пантеон был превращен в христианскую церковь, а в, 1520 г. в нем похоронили великого Рафаэля. Это величественное здание, словно частица Вселенной, античный космос, явилось последним шедевром архитектуры в период расцвета империи и вершиной римского зодчества.
Также к явлениям мирового значения и ценности относится римский скульптурный портрет - история Древнего Рима в лицах, исторический «документ» небывалого возвышения и трагической гибели великой империи. Своим происхождением римский портрет связан с погребальным культом завоеванных этрусков, с греческой эллинистической скульптурой, а также с римским культом предков: обычаем снимать с умершего восковую маску и хранить скульптурные портреты членов фамилии. Отсюда поразительная достоверность, даже «натурализм» и беспощадная правдивость пластических характеристик. Особенно это относится к обширной галерее римских императоров.
В эпоху ранней империи римское искусство, выполняя официальный заказ на возвышение и обожествление личности императора, училось льстить власти.
Сохранились скульптурные портреты Августа к образе республиканского полководца (из Прима Порта), изваянии в традициях героизированной греческой классики, Август, совершающий торжественный обряд жертвенного возлияния В тоге, наброшенной на голову, и, наконец. Август в образе Юпитера (по образцу садящего на троне фидиевского Зевса Олимпийского). На одном полюсе беспощадные портреты порочных тиранов Нерона, Калигулы, Каракаллы, галерея «солдатских императоров», а на другом - скульптурные образы Траяна, Веспасиана, Адриана, Антония, Пия, стремившихся к разумной государственной деятельности. К лучшим людям Рима принадлежал и император-философ Марк Аврелий, в его философских рассуждениях исчезло спокойствие некогда уверенного в себе римлянина, властителя мира, ищущая опоры мысль лихорадочно блуждает, охотнее склоняясь к горестно-иронической покорности слепой судьбе, проповедуемой стопками. Однако именно Марку Аврелию, отнюдь не героическому императору, был создан первый из дошедших до нас конный памятник.
Несомненно, скульптурной эмблемой Рима является знаменитая бронзовая Капитолийская волчица, отлитая, предположительно, этрусским мастером. Она была поставлена на Капитолийском холме в ознаменование свержения этрусских царей после почти столетних войн.
Выдающаяся страница древнеримской художественной культуры связана с «золотой латынью». Наиболее плодотворным «век Августа» оказался именно для римской поэзии. Ее расцвет связан с именами Вергилия, Горация и Овидия.
Вергилия Марона называют «римским Гомером» за создание эпической поэмы «Энеида» о странствиях "троянца Энея и его спутников. Вместе с тем в поэме присутствует и другой герой- дух Рима. В центре «Энеиды» идеал его бессмертия, основанного на божественном промысле. Гибель Трои, трагическая любовь Энея и царицы Карфагена Дидоны, путешествие героя по загробному царству, где Энею открывается его миссия - основание Великого города, и другие события воссозданы в национальном эпосе римского народа. В двенадцати книгах «Энеиды» неразрывно сплетаются прославление Рима и императора Августа, восхваление мифических предков, патриотизм и проникновенное понимание человеческих чувств.
Если Вергилий создал классический римский эпос, то Гораций (Квинт Гораций Флакк), друг и современник Вергилия, создал классическую римскую лирику.
Гораций также воспевал доблесть предков, призывал современников быть достойными отцов, однако охотнее он вспоминал о древней красоте нравов, учил наслаждаться «золотой серединой» скромного достатка, писал о любви, о веселых пирушках с друзьями. Едва ли не лучшие стихи Гораций посвятил поэзии, среди его «Од» выделяется знаменитый «Памятник»; вдохновленный этой одой А. С. Пушкин написал стихотворение «Я памятник себе воздвиг нерукотворный...»
Труд Вергилия и Горация проложил дорогу их младшему современнику Публию Овидию Назону. «Певец любви и страсти нежной», блестящий поэт, Овидий страдальцем кончил свой век, сосланный Октавианом Августом на суровые тогда берега Черного моря и забыт. По-видимому, император был недоволен поэзией Овидия, которая не отвечала его политике.
Главный поэтический труд Овидия «Метаморфозы» - собрание античных мифов о превращениях одних тел в другие. Так, самовлюбленный Нарцисс стал цветком; ожила прекрасная статуя девушки, которую изваял Пигмалион и воспылал к ней любовью; нимфа Дафна, преследуемая Аполлоном, превратилась в лавровое дерево и т. д, В итоге родилось богатейшее собрание (свыше двухсот) самых поэтических образов греческой и римской мифологии.
Латинский язык мертв, но без него немыслима современная, мировая культура. Тот, кто изучает латынь, усваивает мировую культуру. В начале X в. до н. э. на латыни говорило лишь население небольшой области на Аппенинах, затем архаическую латынь сменила классическая, этот язык достиг расцвета в прозе Цицерона и Цезаря, в римской поэзии. В эпоху средневековья на основе латыни сформировались романские языки (итальянский, французский, испанский, португальский, румынский и т. д.), а латынь становится языком католической церкви и пауки. И современная наука тесно связана с латынью; наряду с греческим языком она служит источником образования научной терминологии.
Крылатые латинские изречения украшают и обогащают речь современ-ного культурного человека. Через латынь «терра инкогнита» {«неизвестная земля») римской культуры и истории становится все более понятной. «Урби эт орби» («городу и миру») - к всеобщему сведению звучали слона Цезаря: «Вени, види, вици («пришел, увидел, победил»), а также закон политики: «Дивиде эт импера» («разделяй и властвуй»). Однако «Гомо са-иенс» («человек разумный») римского общества понимал, что главное в жизни - познать самого себя («Носце тэ ипсум»), жизнь движется через преодоление, через тернии к звёздам («Пер аспера ад астра»). И вечно в душе человека искра надежды - «пока дышу, надеюсь» («Дум спира, спера»), хотя знаю, что «проходит земная слава» («Сик транзит глория мунди»), а дальше силентиум - молчание и безмолвие.
Пожалуй, духовным завещанием: греко-римского мира могут стать слова греческого мудреца Бианта - «Омпиа меа мекум порто» («Все мое ношу с собой») - истинное богатство человека в его внутреннем содержании.
7. ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ
На земле древней Эллады детство человечества... развилось всего прекрасней и обладает для нас вечной прелестью, как никогда не повторяющаяся ступень.
"Художественную культуру Древней Греции называют античной (с лат., «древней»). Так стали называть греко-римскую культуруитальянские гуманисты эпохи Возрождения как самую раннюю из известных им. Понятие сохранилось как синоним классической древности и отделяет греко-римскую культуру от древнего Востока.
Историю и культуру античного мира принято делить на несколько периодов.
1. Эгейское искусство (крито-микенская культура) - 3-2 тыс. до н. э.
Искусство Греции - гомеровский период - XI-VIII вв. до н. э.; архаический - VII-VI вв. до н. э.; классический - V-IV вв. до н. э.; эллинистический - конец IV- I вв. до н. э.
Искусство этрусков - VIII-II вв. до н. э.
Искусство Рима - эпоха царей - VIII-VI вв. до н. э.; республики - V-I вв. до н. э.; империи - I в. до н.э.-V в. н.э.
Эгейская культура, сложившаяся в бассейне Эгейского моря, охватывает о. Крит, материковую Грецию (Микены и Тиринф), побережье Малой Азии (Троя) и Кикладские острова.
Раскопки англичанина Артура Эванса на Крите (с 1900 по 1941 гг.) открыли миру неизвестную дотоле «догреческую» культуру, названную им минойской по имени легендарного царя Ми-носа.
Мощная морская держава со столицей в Кноссе создала оригинальную дворцовую культуру, в которой органично сплелись природные и религиозные мотивы. Интереснейшая страница эгей-ского искусства - Кносский дворец, по преданию, связанный с царем Миносом, лабиринтом и страшным Минотавром.
По-видимому, этот дворец был административным и религиозным центром государства, его главной житницей и «домом» торговли. Центральный обширный двор окружали 300 различных помещений, расположенных на разных уровнях и соединенных множеством лестниц, рядом с которыми находились световые колодцы. Важнейшим конструктивным элементом архитектурной композиции дворца служили так называемые иррациональные деревянные колонны, они суживались книзу и ярко раскрашивались (красным цветом - ствол, черным - круглая капитель). Дворец террасообразно разрастался, как бы повторяя очертания гористой местности, вписываясь в критский ландшафт.
Главным украшением дворцовых покоев была фресковая живопись, которая в виде фризов или панелей заполняла стены. Яркая красочная палитра критских художников близка цветовым переливам морской волны. Живопись (в отличие от египетской) производит впечатление абсолютной раскованности и внутренней свободы творца. Знамениты фрески, рассказывающие о празднествах: «Дамы в голубом», «Парижанка», «Царь-жрец», «Акробаты с быком».
Критские керамисты также создали изысканные произведения. Среди них вазы стиля «Камарес» (найденные в одноименной пе-щере). Например, ваза с осьминогом, где сферическая форма сосуда гармонично сочетается с извилистыми линиями в изображении морского животного. Неизвестны монументальные памятники Крита. До нас дошли лишь образцы мелкой пластики из цветного фаянса и слоновой кости («Богиня со змеями»). В целом искусство Крита оставляет впечатление праздничного, красочного, декоративного и по-восточному плоскостного и орнаментального.
Гибель критской цивилизации обусловлена, по-видимому, двумя причинами. В середине XV в. до н. э. Крит испытал сильнейшее землетрясение и последствия извержения подводного вулкана Санторин на о. Фера. Сыграло свою роль и завоевание острова греками-ахейцами. Эстафету эгейской культуры приняла материковая Греция.
В отличие от критской, микенская цивилизация была более суровой и мужественной. Она создала монументальную оборонительную архитектуру (акрополи в Микенах и Тиринфе с «циклопической» кладкой степ, грандиозные Львиные ворота в Микенах, украшенные геральдической композицией с двумя львицами).
Еще в 1876 г. немецкий археолог Генрих Шлиман открыл в Микенах скальные «шахтные гробницы» со множеством изделий из золота, серебра и слоновой кости; найдены и грандиозные «купольные гробницы», или толосы.
В дворцовой архитектуре появляется новый тип помещения- мегарон. Его композиция с портиком, вестибюлем и залом, в центре которого размещался очаг, окруженный четырьмя колоннами, предвосхищает архитектуру греческого храма.
Микенская держава была сметена- на рубеже XII-XI вв. до н. э. новым нашествием с севера: дорийцы огнем и мечом прошли по Пелопоннесу, позднее основали Спарту. Однако дорийская волна миновала область Аттику, населенную ионийскими племенами, сыгравшими особую роль в расцвете Эллады.
На фоне общего упадка греческой культуры и медленного возрождения выделяются в гомеровский период два вида искусства: вазопись и эпическая литература. Лучшими образцами вазописи являются большие дипилонские вазы (найденные близ Дипилонских ворот в Афинах) - надгробные амфоры и кратеры, украшенные лентами геометрического орнамента с сюжетными схематичными композициями между ними.
Главным источником знаний об этой эпохе служат два шедевра древнегреческой литературы - «Илиада» и «Одиссея» Гомера. Первая повествует о событиях последнего года десятилетней войны греков-ахейцев с троянцами и о грядущем взятии Трои. До середины XIX в. Трою (Илион) считали вымышленной, но ее существование доказал Генрих Шлиман, осуществив мечту своей жизни. Во второй поэме странствия царя острова Итака Одиссея разворачиваются на фоне фантастических рассказов первых греческих мореходов о диковинах неведомых западных морей. Считается, что обе поэмы выросли из эпических песен древнегреческих певцов (аэдов, или рапсодов), их можно назвать «энциклопедией древности» по богатству исторического, мифологического, нравственно-философского, легендарного и эстетического содержания.
В «Илиаде» три группы действующих лиц: 1 - троянцы во главе с царем Приамом, его сыновья - великий герой Гектор и Парис (после похищения им Елены, жены спартанского царя Менелая, и начинается троянская война), царица Гекуба и жена Гектора - Андромаха. 2 - греки-ахейцы, возглавляемые Агамемноном, великий герой Ахилл, в начале поэмы гневающийся на Агамемнона, отказывается сражаться с троянцами, что приводит к гибели его друга Патрокла от руки Гектора, мстя за друга, Ахилл убивает мужественного троянца, позднее возвращая (за выкуп) его тело старцу Приаму; тризной по Гектору и завершается поэма осуждения войны и жестокой мести... 3 - олимпийские боги, активно вмешивающиеся в жизнь людей.
В эпоху архаики зародились греческая философия и наука, главные жанры литературы, театр, ордерная архитектура и архаическая скульптура.
Отличительной особенностью культуры древних греков был агон - состязание. В 776 г. до н. э. впервые были устроены Олимпийские игры (в области Олимпия, названной в честь Зевса). На пять дней провозглашался священный мир. «Олимпионик» (трижды победивший) награждался оливковой ветвью и правом на установку статуи в священной роще храма Зевса Олимпийского. В честь Аполлона атлеты соревновались в Пифийских играх в Дельфах, наградой служил лавровый венок. В Истмийских - в честь морского бога Посейдона наградой был сосновый венок. Также в честь верховного владыки Зевса устраивали немейские игры. Прекрасное тело атлета послужило стимулом к развитию античной скульптуры.
Эпоха героев ушла вместе с Гомером. Искусство слова обратилось к чувствам и переживаниям отдельного человека - родилась лирика (декларация стихов в сопровождении лиры). Великими лириками называют страстного Архиолоха с о. Парос, жизнерадостного Анакреонта, возвышенного Алкея и тонкую поэтессу Сафо. В Древней Спарте развивалась хоровая лирика (дифирамбы в честь бога Диониса). Велика была слава и поэта Пиндара.
В это время в Греции была создана своя государственная система, приведшая к установлению рабовладельческой демократии. По сравнению с восточными деспотиями это был прогрессивный шаг. Вольные духом, греки видели идеал в собственном усовершенствовании, как подобает человеку и гражданину полиса, доблестному духом и прекрасному телом.
Художественное творчество Эллады, впервые в истории мира утвердило реализм как абсолютную норму искусства. Не точное копирование природы, а стремление к совершенно прекрасным образам, на которые природа лишь намекнула. Кто такие боги Олимпа (Зевс, Афродита, Афина), как не люди, обретшие в своем человеческом совершенстве бессмертие? Вслед за мифотворчеством искусство стало изображать человека, наделенного той доблестью и красотой, что ему надлежит в себе выявить.
Архаическая скульптура выработала два типа: это куросы (скульптура обнаженного юноши, имевшая культовое значение как образ Аполлона, а также развитая мужская фигура вообще) и коры (культовые изваяния дев в декоративной драпировке одежд и ярко разукрашенных; позднее коры стали в архитектуре кариатидами - колоннами в виде женской фигуры). Заимствуя образцы в Египте и Месопотамии, архаическая монументальная скульптура (до 3 м высотой) очень быстро совершенствовалась в реализме, сохраняя па лицах куросов и кор знаменитую «архаическую улыбку» как попытку художника одухотворить, осветить еще статичный образ изнутри.
Архитектура времен архаики носит преимущественно храмовый характер. Постепенно у греков сложилась система, получившая позднее, у римлян, название ордер (порядок, строй). Однако каждый храм рождает ощущение неповторимости, поскольку ордерная система применялась творчески, с учетом природного и архитектурного окружения. Архаика сформировала два варианта греческого ордера: массивный дорический, воплощавший идею мужественности, гармонию силы и строгости, и стройный, нарядный ионический. Позднее (в V в. до н. э.) появился пышный, зрелищный коринфский ордер. Все три ордера различались пропорциями и особенностями декора колонн (опор) и антаблемента (перекрытия).
В это время сложился и классический тип греческого храма- периптер (оперенный), прямоугольный в плане, окружённый со всех сторон колоннадой. Греческий храм служил «жилищем» для статуи божества, которую устанавливали в святилище (наосе).
Как и природа Эллады, греческое искусство было ярким и многокрасочным и празднично сияло на солнце. Раскрашивались архитектурные детали и скульптурные украшения храма, полихромной была и мраморная скульптура, стоявшая во всех общественных местах города, а также золотистым блеском пламенели бронзовые изваяния с цветными инкрустациями. Ныне все это почти утрачено, да и бронза потеряла свой первоначальный блеск.
Цвет в греческой пластике указывает на связь ее с живописью и стремление передать красоту видимого мира. Ярким отблеском греческой живописи является вазопись. Амфоры, кратеры, изящные гидрии, плоские килики, удлиненные лекифы - не только совершенны по форме, но и гармонично расписаны мифологическими сценами. Вначале развивалась черно-фигурная роспись, а позднее появилась более совершенная краснофигурная.
Золотому веку греческой культуры, знаменующему «высочайший внутренний расцвет Греции» (К. Маркс), предшествовало великое испытание Эллады грозным нашествием персов и разорением Афин.
Слава греческих побед при Афоне, при Марафоне, при Саламине и Платеях, а также в Фермопильском ущелье озарила на многие века историю Эллады. Афины возглавили греческий морской союз и после победы заняли главенствующее место в культурно-экономическом подъеме. Правители Афин (прежде всего- Перикл) стремились сделать свой город крупнейшим культурным центром греческого мира. В уста Перикла историк Фукидид вложил слова: «Город наш - школа всей Эллады, и полагаю, что каждый из нас может легко проявить свою индивидуальность в самых различных жизненных условиях». Занятия спортом для всех, система образования, регулярное посещение театра и религиозных празднеств. Во всестороннем развитии личности греки опередили многие другие народы. Все это обеспечило всесторонний расцвет греческой художественной культуры.
В Афинах жили Протагор («Человек есть мера всех вещей») и Анаксагор, универсальный мыслитель Демокрит («Бедность при демократии настолько же лучше благополучия при царях, насколько свобода лучше рабства»). Воплощением эллинской мудрости стал великий Сократ, учитель Платона.
Быстро развивалась и наука в лице Гиппократа - «отца медицины» и Геродота - «отца истории».
Во время театральных праздников (3 дня) греки избирали лучшего драматурга, постановку, актера и хорега (организатора представления). Всемирную славу аттической трагедии принесли «отец трагедии» Эсхил («Персы», «Прикованный Прометей», «Орестея» и др.), Софокл («Царь Эдип», «Антигона», «Электра») и Эврипид («Медея», «Федра»).Расцветкомедии связан с творчеством Аристофана, черпавшего сюжеты из современной политической жизни Афин («Всадники», «Облака», «Лягушки», «Лисистрата» и др.). Театр стал настоящей школой жизни и воспитателем гражданина.
Гордостью Афин стал заново отстроенный замечательный ансамбль - Афинский Акрополь. Возвели беломраморные здания: Парфенон, Пропилеи (торжественный вход на Акрополь), храм Ники Аптерос (Бескрылой победы), храм Эрехтейон и Пинакотека (собрание картин). Планировкой и постройкой Акрополя руководил величайший скульптор Греции - Фидий. Величавый архитектурный ансамбль воплощал могущество Афинской державы и впервые - идею общеэллинского единства.
Парфенон - храм Афины Девы - жемчужина мировой архитектуры (зодчие Иктин и Калликрат, скульптор Фидий). Он возвышается над Акрополем, подобно тому, как Акрополь возвышается над Афинами. Парфенон прекрасен и героико-монументален. Это дорический периптер с элементами ионического ордера. Даже в своем полуразрушенном виде Акрополь производит неизгладимое впечатление.
В 1687 г. венецианское ядро взорвало пороховой погреб, устроенный завоевателями-турками в Парфеноне. А в начале XIX в, английский дипломат лорд Эльджин велел выломать часть знаменитого фриза Парфенона (украшение верхней части стены) и снять уцелевшие изваяния на фронтонах. Со временем их приобрело английское правительство, и ныне скульптуры Парфенона - гордость Британского музея в Лондоне. Однако варварское отношение к произведениям искусства получило наименование эльджинизм.
Ранее, в эпоху архаики, также славились святилище-храм Артемиды в г. Эфесе (Малая Азия) - одно из «семи чудес света», а позднее, в эллинистическое время - Мавзолей в Галикарнассе, Александровский маяк (в Египте), также вошедшие в «чудесную семерку», а также Алтарь Зевса в Пергаме (П в. до н.э.). Если авторство архаической скульптуры не установлено, то классическая эпоха и пришедший ей на смену эллинизм сохранили имена своих величайших мастеров скульптуры.
Открывает этот славный список семи великих, конечно же Фидий. Знаменита его 12-метровая статуя Афины Парфенос, стоявшая некогда в святилище Парфенона, выполнена в хризоэлефантинной технике (деревянный остов, покрытый слоновой костью и золотом), которая почиталась вершиной искусства. В правой руке Афина держала статую (2 м) Ники (Победы), а левой опиралась на щит с рельефом, к плечу было прислонено копье. Статуя не сохранилась, по была реконструирована по описанию современников. Столь же знаменита и фидиевская статуя Зевса («чудо света») для храма в Олимпии. Зевса, сидящего на троне. Фидий ваял в специально выстроенной для этого мастерской. Скипетр с орлом священным посланни-ком в правой, а крылатую Нику в левой руке держал «отец богов и людей». Золотое убранство, как полагают, весило около 200 килограммов, а глаза из драгоценных камней были размером с кулак. Двенадцатиметровая статуя простояла почти 900 лет и погибла в пожаре в V в.
Одним из первых скульпторов, сумевших реалистически передать движения могучего тела, стал Мирон, с его знаменитым «Дискоболом». Скульптор Поликлет определил совершенные пропорции тела и передал их в пластике. Его «Дорифор» (копьеносец) был создан по канону, который господствовал потом более ста лет. Бронзовые «Дискобол» и «Дорифор» дошли до нас в мраморных римских копиях. На смену строгой величавости пластических образов трех афинских мастеров в VI в. пришел драматический пафос Скопаса («Менада») и мечтательная грация образов Праксителя («Гермес с младенцем Дионисом», «Афродита Книдская» - на о. Книд, приобретший статую обнаженной богини, говорят, было настоящее паломничество жаждущих полюбоваться ее красотой).
В эпоху начала эллинизма, когда, благодаря завоевательным походам Александра Македонского, греческий мир необыкновенно расширился и активно взаимодействовал с восточными культурами, выдвинулся Лисипп (придворный скульптор Александра, создавший его скульптурные портреты, а также знаменитого «Апоксиомена» - атлета, очищающего тело скребницей, и озорного «Эрота» с колчаком стрел и луком за плечами).
К великой семерке причисляют и артистичного Леохара с его «Аполлоном Бельведерским» (мраморная копия с бронзового оригинала стоит ныне во дворце Ватикана). Театральная эффектная поза бога света и искусства с отведенной в сторону левой рукой и небрежно наброшенным на нее плащом.
Среди знаменитых эллинистических шедевров монументальная «Ника Самофракийская» (Париж, Лувр), «Лаокоон с сыновьями» (Рим, Ватикан) и скульптурный фриз Алтаря Зевса (из Пергама, Малая Азия), ныне остатки его хранятся в берлинском «Пергамон - музеум» . Всемирную славу приобрела и статуя «Венеры Милосской» (Париж, Лувр).
Греческое искусство завершало свой исторический путь. Начинался новый этап его «существования» - как высочайшего образца для всех последующих художественных культур. И первым «учеником» явился Древний Рим.
8. ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА ДРЕВНЕГО ЕГИПТА
Существует нечто, перед чем отступают и безразличие созвездий, и вечный шепот волн, - деяния человека, отнимающего у смерти ее добычу.
Из древнеегипетского текста
Государство Древнего Египта в долине Нила создало высокую и утонченную культуру. В ней проявились общие черты стиля древневосточных рабовладельческих деспотий (Вавилона, Шумера, Ассирии, Урарту) с их «гигантоманией», но искусство Древнего Египта преодолело грубую тяжеловесность и выработало художественные формы несравненного благородства и чистоты.
Гигантские пирамиды в Гизе, Большой Сфинкс фараона Хефрена и скульптурный портрет царицы Нефертити - всемирно известные художественные эмблемы Египта, пришедшие из глубины веков.
Зародившись па рубеже IV и III тысячелетий до н. э., культура Древнего Египта прошла несколько стадий своего развития, достигая расцвета в эпоху Древнего (XXVIII-XXIII вв. до н. э.), Среднего (XXI-XVIII вв. до н. э.) и Нового царства (XVI-XI вв. до н. э.).
Особенности древнеегипетской культуры связаны с ранним развитием государственности, изолированным географическим положением, а также с глубоким и всесторонним влиянием религии (особенно заупокойного ритуала) на все сферы художественной деятельности.
Ведущим в ансамбле искусств Древнего Египта становится архитектура как выразитель господствующих религиозно-государственных идей, которые кристаллизуются в образе пирамиды (по-гречески «священной высоты»). Символ божественной и земной иерархии, связи трех миров (богов, людей и мертвых) - пирамида отражает картину мира, сложившуюся в сознании древних египтян. В ее центре обожествленный фараон как воплощение бога Гора (Хора) и посредник между мирами.
Пришедшие из глубины веков, потому что строились на века как дома Вечности,- пирамиды Древнего царства (ансамбль в Гизе) осталась единственными из «чудес света», дошедшими до нашего примени.
Им предшествовала «Мать пирамид» - шестиступенчатая гробница фараона Джоссера (60 м), построенная великим зодчим Имхотеном, ставшая также и символом неограниченной власти.
Пирамида входит в монументальные погребальные комплексы - некрополи - с заупокойными храмами, дорогами восхождения сфинксами, пирамидами-спутницами, священной ладьей и мощной крепостной стеной.
Центральное положение пирамиды в архитектурной композиции царского захоронения обусловлено в том числе и ее солнечной символикой, ведь солярный культ был высшим в системе религиозных представлений. Египет называли страной Солнца, а фараонов его сынами. Подобная лучу солнца, падающему на землю, пирамида символизировала и путь фараона на небеса. Форма ее означала Вечность, а отношение граней - Божественную Гармонию Вселенной.
Гигантские гробницы в Гизе фараонов Хеопса {146,6 м), Хефрена (143,5 м) и Микерина (66,5 м) стоят уже более сорока ве-ков, необычайные памятники непреклонной воли фараонов, многолетнего каторжного труда сотен тысяч крестьян и рабов и высокого искусства строительства, а также средоточия древнего знания. Пирамиды таят до сих пор множество загадок.
Если в эпоху Древнего и Среднего царства в скальных гробницах хоронили придворную знать, то в Новом царстве и фараоны начали строить свои гробницы в скалах в Долине царей и цариц, напрасно надеясь защититься от грабителей, а пирамиды остались архитектурным и символическим украшением захоронений.
Древние египтяне считали храм местом земного пребывания бога и моделью Вселенной. Во время Нового царства храмовая архитектура переживает расцвет.
Всемирно известны храмы-святилища солнечного божества Амона-Ра в Карнаке и Луксоре. Если древняя пирамида подобна горе, то эти храмы напоминают дремучий лес. Соединяла храмы почти двухкилометровая до-рога - аллея Сфинксов, у входа высились солнечные знаки-обелиски. Мощные пилоны образовывали величественный портал, украшенный скульптурными колоссами фараонов. Каждый последующий правитель пристраивал к имеющимся храмам новые, отчего на протяжении веков комплексы Карнака и Луксора превратились в каменные города с аллеями и площадями, колоннадами и храмами. Следуя линейной планировке, композиция храма развертывалась вглубь, к святилищу со статуей божества, через сумрачный гипостильный (колонный) зал. В Карнане гипостиль насчитывает 134 колонны (они имитируют растительные формы Египта): папирусообразные, лотосовидные, пальмовидные до 23 м высотой. Карнакский гипостиль-один из самых монументальных интерьеров древнеегипетской архитектуры.
Последний взлет монументальной архитектуры связан с эпохой рамессидов - это небывалый по масштабам скальный храм Рамсеса II в Абу-Симбеле.
Гигантский пилон украшают двадцатиметровые колоссы фараона-завоевателя. В 50-е г. нашего века ООН и ЮНЕСКО организовали уникальную операцию по опасению Абу-Симбела во время строительства Ассуанской плотины. Храм распилили на гигантские блоки и перенесли на новое место. Творение древнеегипетских зодчих было спасено.
В культовом синтезе искусств архитектуре сопутствовала скульптура, которая была столь же каноничной и монументальной, сохраняя устойчивые художественные традиции.
Среди шедевров круглой скульптуры Большой сфинкс, страж гизехского некрополя, творение природы и человека (скальный массив туловища льва с головой царя). «Отец Ужаса» пострадал не от времени, его изуродо-вали наполеоновские солдаты (отбит нос) в начале XIX в. Позднее англичане увезли каменную бороду. Сейчас сфинкс Хефрена всерьез тревожит европейских ученых своим состоянием.
В соответствии с культовым назначением круглой скульптуры быть вместилищем души умершего создавались замечательные портреты.
Такова скульптурная группа царевича Рахотепа и его жопы Нофрет (Каир, Египетский музей), сидящих на троне. Каноничны не только величаво - спокойные, позы, но и раскраска мужской статуи в красно-каричневый цвет, женской - в желтый, волос - черный, одежды - бело-красный. Канон фигуры Писца воспроизводит знаменитая статуэтка писца Каи из Лувра.
В искусстве скульптурного рельефа (барельефа и врезанного рельефа) египтяне также достигли пластической выразительности, создав неповторимый силуэт фигуры, как бы распластанной на плоскости. Начало канону положило изображение фараона Нармера на знаменитой палетке, а блестящим продолжением стал деревянный портретный рельеф «Зодчий Хесира». Рельефы в гробницах и храмах отличают фризовый (ленточный) принцип расположения, условность раскраски и связь с письменностью. Особой изысканностью отмечены рельефы из уцелевшейи открытой уже в XX в. гробницы молодого фараона Тутанхамона.
Через тридцать пять веков забвения явилась миру и царица Нефертити из Нового царства. Ряд ее скульптурных образов был найден при раскопках мастерской скульптора Тутмеса, придворного мастера фараона-еретика, или проклятого фараона Эхнатона, который не только ввел культ единого солнечного божества- Атона, но и повлиял на искусство, которое выделяется в особый амарнский период Нового царства (на месте нового города Эхнатона под названием Ахетанон расположена современная Тельэль-Амарна. Удалиться от старых канонов и приблизиться к жизни - эту задачу решали художники времени Эхнатона, и правдивую лирическую трактовку образа человека мы находили в творениях знаменитого Тутмеса (семейные портреты, скульптурный портрет Нефертити в высокой тиаре и незавершенный портрет из золотистого песчаника хранятся в Государственных музеях Берлина).
О музыкальной культуре Древнего Египта, из которой сохранились лишь несколько инструментов и изображение музыкантов в рельефах и росписях, существуют предположения. По-видимому, бытовала музыка народная, храмовая и дворцовая, одноголосная мелодия расцвечивалась тембрами арф, флейт, ударных.
Древнеегипетская литература отличается разнообразием жанров: сказки, поучения, гимны богам и царям, хвалебные песни, а со времени Нового царства - любовная лирика с высокими поэтическими достоинствами.
Древний Египет открыл миру далеко не все свои тайны. Его огромная роль в истории мировой культуры еще не оценена по достоинству. Изучение древней культуры началось после военной экспедиции Наполеона, в ней участвовал и Доминик Виван Денон, иллюстратор знаменитого 24-томного труда «Описание Египта». Так Европа познакомилась с загадочной и экзотической страной, но ее письмена были мертвым языков. Великое научное открытие, благодаря «Розеттскому камню», совершил другой гениальный француз, «воскреситель иероглифов» - Жан Франсуа Шампольоп. Так начиналась египтология. Художественные образы Древнего Египта, влиявшие до нашей эры на всю культуру Средиземноморья (особенно в эпоху эллинизма) и затем вошедшие в европейскую культуру с XIX в., и поныне сохраняют неподвластное времени духовное величие и эстетическое совершенство.
9. ОСОБЕННОСТИ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ КУЛЬТУРЫ СРЕДНЕВЕКОВЬЯ
Было бы односторонностью видеть в средних веках лишь «детство» европейских народов, подготовительную ступень к новой истории... они имеют самостоятельную историческую и художественную ценность.
А. Я. Гуревич
Когда вспоминают о средних веках, обычно представляют, закованного в латы рыцаря, тяжелым мечом поражающего врага, крестовые походы, каменные громады феодального замка пли собора, изнурительный труд крепостного крестьянства, монаха, отрекшегося от мирских соблазнов, инквизицию. Железо. Камень. Молитвы, огонь и кровь.
Немало в средние века нагромождено тяжелого, темного, бесчеловечного. Может быть, поэтому гуманисты эпохи Возрождения назвали тысячелетие (V-XV вв.) между закатом античности и Новым временем эпохой умственного застоя, «темной ночью», Средними веками, стремясь разогнать мрак средневековья сияющими лучами возрождаемой античной культуры.
Современная историография и искусствознание видят в Средневековье не разделяющую пропасть, а связующий древнюю и современную культуру мост, сложнейшую эпоху, которая имеет свои неповторимые особенности, как этап культурно-исторического развития человечества, соответствующий зарождению, развитию и разложению феодализма.
Среди трагических сторон средневековой жизни: бесконечных феодальных и религиозных войн, произвола имущих и церкви, массовых эпидемий чумы и моровой язвы, постоянно нависающей кары Страшного суда и ожидания конца света - человек средневековья умел радоваться жизни, тянулся к свету и любви, видел в красоте мира символы божественной красоты; умел самоотверженно трудиться, воздавая в большом и малом деянии хвалу Творцу; недаром средневековая культура оставила после себя великое и многоликое художественное наследие, созданное «маленькими людьми», которые были великими мастерами.
Особенную роль в формировании средневековой культуры сыграло христианство, которое создало великий исторический синтез, наследуя и преобразуя идеи и образы религий Ближнего востока и традиции греко-римской античной философии. Христианство впервые в мировой истории выдвинуло идеи равенства всех людей перед Богом, осуждение насилия, преодоления несовершенства мира путем нравственного совершенствования каждого, идеи духовного единения всех людей. «Трагедия личности Христа заполняет собой мир, она живет в каждом человеке» (Д. С. Лихачев). Острое переживание этой трагедии составляет главное содержание шедевров художественной культуры средневековья.
Принято более чем тысячелетнюю историю Средних веков делить на три основных периода: раннее (V-XI вв.), зрелое, или классическое (XII-XV вв.) и позднее средневековье (XVI - начало XVII в.), отмеченных широким распространением и национально-самобытным проявлением в искусстве возрожденческих идей.
При всей сложности, разнородности, многослойности, парадоксальности и противоречивости средневековой жизни и культуры присутствует и объединяющее начало - «геоцентрическая модель мира», которая находит в искусстве идеальное, гуманистическое воплощение.
Ранее всего христианская религиозность проявила себя в сложении византийской художественной системы. В ранний период средневековья Византия оставалась единственным хранителем традиций эллинистической античной культуры, передав эту культурную эстафету в X в. Древней Руси вместе с православием.
Византия создала основные типы христианских храмов (базиликальный, центрический и крестово-купольный), переосмысливая античную архитектуру в соответствии с христианским религиозным учением о храме как земной модели небесной церкви, как корабле спасения для верующих, как доме для моления. Поэтому главное внимание уделялось увеличению внутреннего пространства и божественному великолепию внутреннего убранства храма.
Главным в Византийской империи стал храм св. Софии в Константинополе, возведенный в VI в. при Юстиниане зодчими Анфимием и Исидором (редкий случай сохранения имен средневековых строителей, ведь об этом в эпоху средневековья никто не заботился, так как мастера, творившие красоту, стояли на низших ступенях феодальной лестницы, их труд считался коллективным и, значит, внеперсональным и почти всегда оставался безымянным, анонимным).
В св. Софии соединились конструктивные принципы древнеримского Пантеона и раннехристианской базилики, центр прямоугольника был увенчан гигантской полусферой купола (диаметром 31.5 м). Архитектура храма кажется таинственно меняющейся с разных точек обозрения, осуществленным в камне чудом.
В эпоху Средневековья рождается новый храмовый синтез искусств, имеющий отличия в православии и католичестве, разделившихся в 1054 г.: в грандиозном ансамбле, потрясающем величием и возвышающей одухотворенностью, соединяются архитектура и скульптура, живопись (фреска, мозаика, икона или витраж) и декоративнонприкладное искусство, вокальная и инструментальная музыка (орган).
Впервые такой художественный синтез был осуществлен в торжественном ритуале византийского богослужения, который переняли Древняя Русь и другие государства православной ветви христианства.
Если на Востоке переход от античности к средневековью происходил постепенно, то на Западе - через разрушение и ломку культурных традиций древности. Падение античного Рима, великое переселение народов и «варваризация» Европы - в горниле рождения средневековой цивилизации формировалась и художественная культура Западной Европы.
Средневековое искусство Западной и Центральной Европы в своем десятивековом развитии прошло три этапа: дороманский (ср. V-X вв.), романский (XI--XII вв.) и готический (XII - XIV вв.). В некоторых государствах готическое искусство в XV- XVI вв. («пламенеющая готика») сосуществовало с искусством Ренессанса.
Из всех «варварских королевств», возникавших на территории бывшей Римской империи, наиболее крупным и сильным оказалось королевство франков, вначале управляемое династией Меровингов, принявших христианство по католическому обряду, а затем франки переживают «Каролингский ренессанс» (VI - IX вв.), эту эпоху завершает империя Карла Великого, коронованного римским папой как «император римлян».
В это время бурно развивается декоративно-прикладное искусство (застежки, пряжки, оружие, утварь, кресты, оклады церковных книг многокрасочны, со вставками из драгоценных камней, цветного стекла или эмали, удивляют богатством орнамента в сочетании со «звериным стилем») и искусство книжной миниатюры.
С IV в. возникающие монастыри становятся центрами создания христианских книг (евангелия, поучения отцов церкви, богослужебные книги), которые изготовлялись из пергамента и украшались цветными миниатюрами, где использовались золото, пурпур, гуашь. Излюбленной темой были образы евангелистов.
Образцы раннесредневекового искусства оформления книги, которая превращалась в дорогой и изысканный подарок, демонстрируют изощренный законченный орнаментальный стиль, оказавший большое влияние на всю европейскую культуру.
Во время разрушительных нашествий норманнов погибли многие очаги культуры и памятники искусства, архитектуры, были расхищены несметные богатства из монастырей и дворцов. В свой недолгий расцвет каролингское искусство многое возродило из достижений поздней античности, но не создало новой законченной системы, что оказалось под силу пришедшей на смену ро-манской эпохе, которая выработала первый общеевропейский художественный стиль.
Термин появился в XIX в., когда археологи в постройках X- XII вв. нашли черты сходства с римской архитектурой, позднее романским стали называть искусство эпохи в целом.
В раздробленной, враждующей Европе главными видами архитектурных сооружений стали рыцарский замок, монастырский ансамбль и храм крепостного типа с массивными каменными стенами, узкими окнами, высокими башнями.
Стремление к повышенной одухотворенности отличаем образцы романского искусства так же, как и византийского, однако образ духовно совершенного и отрешенного от реального мира человека не получил такого же развития, как в Византии, в западноевропейском искусстве с религиозностью совмещалось деятельное отношение к жизни. Романская архитектура поражает мощью, скульптура - мятущимся духом. В повышенной экспрессии чувств ощущаются традиции варварского искусства, бурный и грозный характер эпохи феодальных войн и крестовых походов. В романских соборах развивается базиликальный тип христианского храма. Могучий вытянутый продольный корпус (неф) уподобляет храм кораблю. Боковые нефы ниже центрального. Их пересекает трансепт, и в плане образуется латинский крест. Над пересечением (средокрестием) высится массивная, башня, с востока храм замыкает полукружие апсиды (с алтарем внутри). Узкие высокие башни сторожат храм (по две с восточного и западного конца). Архитектоника романского храма ясна во всех деталях, отчетлива и наглядна, отличается мужественной красотой, внушительностью и торжественной мощью.
Новым в убранстве христианского храма романской эпохи было скульптурное оформление снаружи и внутри, что позволяет сравнить собор с каменной книгой, запечатлевшей душу средневековья. Хотя деятели церкви и «управляли» искусством - часто они не могли ни понять, ни одобрить скульптурного убранства храмов.
Романские мастера населили стены, двери и колонны невиданным ранее миром: образы святых, апостолов, евангелистов приземисты, мужиковаты, явно простонародного происхождения, в полукруглых Тимпанах над порталом (входом) церквей особенно часто помещали рельеф с изображением Страшного суда, где Христос - судья и защитник своих вассалов, а вокруг из причудливого орнамента возникают «странно-безобразные образы» - кентавры, обезьяны, львы и всякого рода каменные химеры, порой они замешиваются в кампанию святых и присутствуют при «священных собеседованиях.». По-видимому, эти фантастические образы пришли в романское искусство из языческих народных культов, сказок и басен, народного эпоса, выражая народное понимание и представление о борьбе сил добра и зла за душу человека.
Внутри храмы таи же, как и в эпоху Каролингов украшали многоцветные фрески, новым явлением были цветные витражи из стекла на сюжеты из священной истории; этот вид храмовой живописи получил особое развитие в готическую эпоху. Знаменитый романские соборы сохранились в Германии (Вэрме, Шпейер, Майнц) и во Франции (Нотр-Дам в Пуатье, Сен-Пьер в Муассаке, Сен-Лазар в Отене).
До XII в. главными культурными центрами Европы были монастыри, где было больше всего образованных людей, обсуждались строительные проблемы, переписывались книги. Однако в XII в. первенство стало переходить к новым хозяйственным и культурным центрам - городам, которые боролись с феодалами за свою независимость. Недаром говорили: «воздух города делает свободным». В среде горожан рождалось свободомыслие и критическое отношение к феодальному строю, освящаемому церковью, как якобы изначально установленному на небесах, а потому незыблемому.
Высокого расцвета достигает в это время светская рыцарская литература и поэзия, складывается литература городского мира, завершается создание героического эпоса средневековья.
Наиболее известны французские эпические поэмы «Песнь о Роланде», «Песнь о Сиде» и германский эпос «Песнь о Нибелунгах».
В основе «Песни о Роланде» эпизод из испанского похода Карла Великого 778 г., в поэме завоевательный поход превращается в справедливую войну с «неверными», сарацинами. Коварное перемирие сарацинского царя Марсилия, предательство советника Карла мстительного Ганелона, кровопролитная битва рыцаря Роланда с сарацинами и гибель главного героя, разгром Карлом армии сарацинов, смерть невесты Роланда и казнь Ганелона - таковы главные события эпического сюжета, прославляющего дело христианской церкви, патриотизм французов, горячность и отвагу молодого рыцаря.
Слагавшаяся в течение нескольких веков «Песнь о Нибелунгах» представляет собой огромное песенно-эпическое сказание, включает картины блестящей рыцарской придворной жизни, смутные воспоминания о далекой древности времен Великого переселения народов IV-V вв., мифологические, легендарные и сказочно-фантастические образы. Главные темы сказания: ослепляющая губительная власть золота (клад нибелунгов), стремление к любви и счастью отважного рыцаря Зигфрида - «идеального героя» сред-невековья, месть обманутой в своих надеждах на любовь Зигфрида могучей Брунгильды, волю которой вершит мрачный злобный Хаген, убивая героя, а также ужасная ответная месть его жены Кримхильды и гибель всех главных героев сказания. Удивителен рассказ средневекового автора, проникшего в психологию человека и одновременно украсившего его поступки фантастическими образами магического кольца, чудесного меча, чудодейственной крови поверженного Зигфридом дракона, а также «Песнь о Нибелунгах» богата гуманистическими прозрениями о том, что разрушительный заряд мщения возвращается к пославшему, обрекая на гибель и мир богов, и мир людей.
Именно в средние века поэзия становится королевой европейской словесности. Даже летописи облекались в стихотворную форму, и священное писание обретало стихотворные ритмы, которые лучше запоминались, и назидательные тексты приобретали красоту поэзии.
Придворный этикет световой рыцарской культуры XII и XIII вв. требовал, чтобы, наряду с традиционной воинской доблестью, рыцарь обладал изящными манерами, соблюдал во всем «меру», был приобщен к искусству и почитал прекрасных дам, то есть являл собою образец придворного вежества, именуемого куртуазией.
Блестящей страницей рыцарской поэзии явилось творчество трубадуров («сочинителей») французского Прованса, культ прекрасной дамы занял в нем примерно такое же место, как культ мадонны к религиозной поэзии. Любовь трубадуров явилась своего рода бунтом против жестких сословных преград между людьми. Провансальская поэзия выразила и благоговение перед красотой вечно живой природы; на лучших образцах прованской лирики учились Данте, Петрарка и другие поэты эпохи Возрождения, ведь именно трубадуры ввели рифму в широкий литературный обиход. В Германии средневековую рыцарскую лирику называли миннезанг, а ее поэтов - миннезингерами. В опере «Тангейзер» Рихард Вагнер воздвиг им и XIX в. величественный памятник, а также отдал дань национальному эпосу в оперной тетралогии «Кольцо нибелунга»; искусству городского, бюргерского цехового мейстерзанта Вагнер посвятил оперу «Нюрнбергские мейстерзингеры»; подобной ему многие европейские романтики XIX в. вдохновлялись национальными средневековыми образами.
В целом «новоевропейское» литературное творчество разнообразно по жанрам. Помимо национального героического эпоса и куртуазной лирики существовали рыцарские повесть и роман («Роман о Тристане»), «ученая» латинская поэзия, поэзия вагантов - бродячих студентов, монахов и прочего люда, христианская литература - «высокая» богословская и «низовая» для «простецов» (жития святых и «видения» сцен загробной жизни), городская литература представлена бытовыми комическими стихотворными жанрами фаблио и «шванками», а также лирикой баллад и рондо.
Театр церковью был запрещен. Церковные и народные зрелища можно лишь с натяжкой отнести к театральному искусству. Среди церковных «театральных» жанров литургическая драма (песнопение с театральными элементами), миракль (чудеса из жизни святых), мистерии - таинства, показ праведных и неправедных, моралите о борьбе пороков и добродетелей. Существовали и разнообразные народные театры бродячих актеров.
С развитием городской готической культуры центром всей общественной жизни становится готический собор. Термин «маниера готика» - «готическая манера» (от названия германского племени) также возник в эпоху Возрождения как осуждение грубого, варварского искусства средневековья. Со временем содержание термина изменилось. Готикой стали называть, завершающий этап западноевропейского средневековья..
В готическом искусстве с огромной, впечатляющей силой выражена «неосознанная исповедь» средневекового человечества. И Средние века представляются «величественные, как колоссальный готический храм, темные, мрачные, как его пересекаемые одни другим своды, пестрые, как разноцветные его окна и изобилие изузоривающих его украшений, возвышенные, исполненные порывов, как его летящие к небу столпы и степы, оканчивающиеся мелькающим в облаках капищем» (Гоголь).
Мастера готики, совершенствуя опорную систему, совершили революцию в зодчестве. Исчезла массивная романская стена, здание свелось к остову, к разросшемуся ввысь каменному нервюрному (реберному) каркасу. Готика развивает базиликальный тип христианского храма. Сквозной характер аркад, отделяющих один неф от другого, подчеркивает открытость и взаимную связь частей внутреннего пространства, а большие ажурные окна - арочные и круглые («готическая роза») с цветными стеклами - витража-ми - делают легкой, иллюзорной и легкопроницаемой преграду между интерьером собора и внешним миром. Подавляющая мощь и необычайная открытость пространства, грандиозность и динамичность каменной конструкции, цветовой окрашенный свет, льющийся через витражи, - все это сливается в единый монументальный художественный образ.
Готический собор вмещает в себя весь мир средневекового города, становится его энциклопедией. Стиль готики темпераментен и драматичен, как и напряженная жизнь средневекового города. Родиной готики стала Франция, немного позднее она распространилась в Германии (Кельнский собор, «кирпичная готика»), Англии (Вестминстерское аббатство в Лондоне), Чехии (собор святого Вита) и других странах католического мира.
Самые знаменитые соборы Франции посвящены Богоматери Нотр-Дам в Амьене, Шартре, Руане и, конечно, в Реймсе и Париже. Это «огромные каменные симфонии» (В. Гюго) со сложным скульптурным декором, где каждый элемент архитектуры «очеловечен», населен разнообразными живыми существами, а готические статуи поражают выражением вдохновенного экстаза, который преображает, облагораживает истощенные тела. Ведь в готическом искусстве выразило себя третье сословие с его мечтами и страданиями, отчаянием и надеждами.
В храмовом синтезе искусств, в создании образа Божьего мира завершающую точку ставила музыка. Развитие церковной музыки опиралось на одноголосные молитвенные песнопения на латинском языке - григорианский хорал (свод песнопений был создан по инициативе папы Григория I). С IX в. получил признание орган, пришедший в Европу из Византии. Позднее на основе мелодий григорианского хорала возникает многоголосная музыка мотетов и католической мессы. Возвышенными образами григорианского хорала вдохновлялся в XVIII в. великий И.-С. Бах.
Средневековая художественная культура являет собой сложный, драматически развивающийся и одновременно замкнутый в рамках сословной иерархии и «геоцентрической модели» образ мира. Средневековью принадлежит одна из самых драматических страниц великой книги о Человеке, которую создает история Искусства.
10. ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА ИНДИИ, КИТАЯ И ЯПОНИИ
Искусство Индии, Китая и Японии принадлежит художественной культуре народов Востока. Их объединяет схожесть путей исторического развития, а также распространение в этих странах буддизма, который повлиял на возникновение нового искусства на рубеже древности и средневековья. Это искусство отличалось широтой охвата действительности, осознанием глубокого родства человека и природы, большим эмоциональным накалом. Индийская скульптура, китайская пейзажная живопись, японские монастыри и сады - это лишь отдельные знаменитые примеры.
Искусство Индии с древнейших времен питает могучая фантазия, грандиозность масштабов представлений о Вселенной. Средства художественного выражения поражают многообразием и красочностью, напоминающей цветущую природу Индии. Идея единства жизни во всех ее проявлениях пронизывает и философские учения, и эстетику, и искусство. Поэтому столь велика в индийском искусстве роль синтеза - архитектуры и скульптуры, архитектуры и живописи, а также поэзии, живописи и музыки. Знаменитые театрализованные представления на темы древних эпосов Рамаяны и Махабхараты стали источником запечатленных в изобразительном искусстве классических поз и жестов, которые отличаются экспрессией и смелостью. В формировании индийского искусства принимали участие многочисленные племена самого большого полуострова мира (Индостан).
Период с середины II до середины I тысячелетия до н. э. связан в основном с расцветом философии брахманизма и литературы на древнейшем языке санскрите. Однако еще задолго до нашей эры, когда складывались цивилизации Египта, Месопотамии, Ирана и Китая, в Индии возникли ремесла, науки и искусства. Большое развитие получили грамматика, математика и медицина. Индийцы на весь мир прославили «страну Бхарат», научив человечество цифровой системе и игре в шахматы, изготовлению тончайших красочных тканей и булатной стали,
Исключительное разнообразие форм, неудержимая выдумка, оптимистическая сила и стойкость народных традиции вопреки культовым, каноническим ограничениям - самое чудесное в художественном творчестве индийцев. Неудивительно, что Индия влекла к себе многочисленных путешественников. Еще в XV в. тверской купен Афанасий Никитин совершил «Хождение за три моря». В XVIII в. Герасим Лебедев создал в Калькутте театр. А в XIX в. образы Индии запечатлели на полотнах А.Д. Салтыков, В. Б. Верещагин (около 150 картин), И. К. Рерих. Творчество Рерихов (отца и сына) -- особая страница русско-индийских культурных связей.
В середине II тысячелетия цветущая цивилизация Инда погибла под натиском кочевых племен - ариев. Сохранились лишь руины благоустроенных городов Мохенджо-Даро и Хараппы, а также множество предметов развитого декоративно-прикладного искусства и мелкой пластики. Пришедшие арии считаются создателями древнейших «Вед» («Знания»), и них гимны и молитвы к божествам, множество различных сведений о жизни и быте ариев, о делении общества на четыре сословно-кастовые группы (варны): жрецов - брахманов, воинов - кшатриев, земледельцев, ремесленников и торговцев - вайшиев и низшая варна - шудр, которые наряду с рабами подчинялись первым трем.
В период образования могущественных рабовладельческих государств (VI-IV вв. до н. э.) возникает эпическая литература - великие поэмы на санскрите «Рамаяна» и «Махабхарата» (превосходящая древнегреческий эпос по объему в 8 раз), которые донесли предания о мужественных и отважных героях, о борьбе и укреплении новых могущественных династий.
Идея торжества добра над злом лежит в основе древнеиндийского эпоса, пронизывает историю о братьях Сунде и Упасунде, решивших постичь тайны мироздания, поэтическое сказание о Нале и красанице Дамаянти. В целом сюжет 18 книг «Махабхараты» повествует об упорной борьбе двух царских родов за власть. Благородные образы созданы и в «Рамаяне». Бесстрашие и доблесть царевича Рамы, преданность его брата Лакшмана, верная любовь Ситы, разделившей с Рамой изгнание в лес, и коварство владыки демонов Равана давно вошли у индейцев в поговорки. А некоторые горои поэм до сих пор почитаются как боги, и на площадях по праздникам разыгрываются сцены из «Рамаяны». «Океаном мудрости и красоты» называют индийцы свой эпос.
После выдворения войск А. Македонского к власти приходит династия Маурья. Царь Ашока, объединив Индию в огромную империю, начал грандиозное каменное строительство сооружений буддийского культа. Буддийская религия была официально принята при Ашоке в 261 г. до н. э.
Буддизм (первоначально не религия, а этическое учение), по преданию, был основан в VI в. до н. э. царевичем из рода Шакиев, по имениСидхартха Гаутама, прозванным затем Буддой («просветленным»). Будда проповедовал идею самосовершенствования человека, непротивления злу, отречения от мирских соблазнов. У брахманской религии Будда заимствовал понятие о перевоплощении, однако он учил, что состояние высшего покоя - нирваны может достичь каждый, даже бесправный шудра, а не только высшая каста.
Религиозно-этические принципы буддизма нашли отражение в буддийской литературе (канонические сказания, религиозно-философские трактаты). В джатаках - сказаниях о перевоплощениях Будды - много фольклорного и бытового материала. Сюжеты из них часто использовались скульпторами и живописцами для украшения культовых сооружений.
Наиболее распространенные: реликварии - ступы, гаолоииы - стамбхи, пещерные храмы - чайтья, монастыри - вихара.
Ступа - буддийский культовый памятник: насыпанная земляная сфера, облицеванная кирпичом или камнем, стоящая на невысоком барабане, в верхней части - камера для хранения реликвий Будды - зуб, локон, кость - и религиозных книг; наверху ступы - стержень с дисками-зонтами, которые символизируют ступени познания на пути к нирване; ограда и ворота (4) воссоздавали в камне конструкцию деревянных заборов и ворот времени вед. Классический пример - ступа в Санчи (высота со стержнем - 23,6 м, диаметр основания - 36,6 м). Ограда и ворота богато декорированы рельефами и круглой скульптурой по мотивам джатак с большим чувством правды и любви к природе. Резные ворота ступы в Санчи «вводят нас в мир древнеиндийского искусства».
Стамбхи - каменные мемориальные колонны, возводились при Ашоке на исторических местах буддизма. Уцелело 10 столбов до 15 м высотой и весом свыше 250 т. На столбе обычно высекали царские указы религиозно-этического содержания. Наибольшую известность завоевала «Львиная капитель» от стамбхи в Сарнатхе (середина III в. до н. э.). Представляет собой как бы сросшихся спинами, четырех львом. Абака капители украшена символами четырех сторон света - рельефными фигурами слона, льва, лошади и быка, между ними - «колесо закона» (чакра) - символ учения Будды. «Львиная капитель» является в настоящее время государственным гербом Республики Индия.
По преданию, Будда призывал учеников удалиться от суетного мира. Первые храмы и монастыри при Ашоке положили начало монолитной скальной архитектуре, которая существовала с II в. до н. э. до VII в. н.э.
Одно из самых величественных сооружений раннего периода - чайтья в Карли длиной 37,8 м и высотой 13,7 м. Внутри, как и другие храмы, она делится двумя рядами колонн на три продольных нефа. В полуциркульном завершении центрального нефа помещена монолитная каменная ступа. Рассеянный поток мягкого света теряется в полумраке огромной пещеры, наполненной сизым дымом благовонных курений. Наиболее знаменитым является созданный позднее, на заре индийского средневековья, в эпоху Гуптов, пещерный комплекс Аджанты. Словно гигантская гирлянда, высечены 29 пещерных храмов и монастырей вдоль отвесного берега реки Вагхоры, Аджанта органично сочетает архитектуру, скульптуру и живопись,
Ранние сооружения буддизма не имели скульптурных изображений законоучителя. К началу нашей эры Индия была уже тесно связана торговлей с Римской империей. Обмен культурными ценностями способствовал сложению нового «греко-буддийского» искусства. Римский обычай обожествления правителей привел к изображению в скульптуре царей и некоторых божеств в позе римских императоров или фидиевского Зевса. Сложился синтез античного и индийского в искусстве Гандахары в изображении «Великого учителя» и бодхисаттв, достигших совершенства, но добровольно остающихся среди людей, чтобы наставлять их на Путь. Постепенно складываются скульптурные каноны. Это особенно заметно в изображениях Будды (так, длинные уши - одно из 32 качеств, присущих ему). Однако, несмотря на ограничивающие рамки канонов, безвестные мастера стремились к индивидуализации, творческому своеобразию.
Период III-V вв., когда династия Гуптов сумела объединить страну, является расцветом экономической и культурной жизни Индии. Это прекрасная прелюдия к средневековью, «золотому веку», индийского искусства. Это классический период санскритской поэзии и драмы, сценического искусства, неразрывно связанного с музыкой, пением и танцами.
Шедеврами признаны лирическая поэма «Облако-вестник» и драма «Признанная Шакунтала» величайшего поэта и драматурга V в. Калидасы. Драма повествует об испытаниях любви юной отшельницы Шакунталы и царя Дущьянты. От имени их сына Бхараты и произошло древнее название Индии - «страны Бхарат». Поэзия Калидасы - живительный источник для многих поэтов Индии и других стран до сих пор. От обширного храмового строительства сохранилось немного. Храм великого просветленного» (Махаботхи) II-III вв., сооруженный там, где, по преданию, Будда сидел под священным деревом в ночь просветления, представляет собой монументальную башню 55 м высотой, украшенную скульптурой: меняется назначение храма, это уже не место сбора молящихся, а обитель божества с его статуей.
В эпоху Гултов созданы и знаменитые настенные росписи пещерных храмов Аджанты, нанесенные на слой гипса темперными красками теплых, охристых тонов. Перед нами раскрывается красочный мир быта, мифологии и истории, природы Индии, часто сюжеты черпаются из излюбленных буддийских джатак. К шедеврам аджантских росписей относят живописный портрет царевича Будды - «Бодхисаттва с лотосом» и сцену «Умирающая принцесса». Женские образы Аджанты особенно поэтичны, словно перекликаются с образами героинь поэта Калидасы. Аджанта - это памятники мирового значения и художественной ценности, «это пещеры, где и сейчас в глубоком мраке ночи пылает факел жизни»; «росписи Аджанты имели такое же значение для историиискусства Азии, какитальянские фрески для Европы» (М. Сннгх). Средневековое искусство Индии сложно по составу, противоречиво и разножанрово. В VII-VIII вв. вновь выдвигается брахманизм, который в новой, видоизменной форме стал называться индуизмом. Главными божествами была троица - «Тримурти»: Брахма - создатель мира, Вишну - его охранитель, Шива - разрушитель во имя созидания нового; различные воплощения Вишну - Кришна, Рама, Будда; распространился культ супруги Шивы - Парвати; широко почитался Ганеша с телом ребенка и головой слона - покровитель купцов, учащихся, авторов и т. д.
Крупнейшее культовое сооружение индуизма - шиваистский храм Кайлисанатха (VIII в.), созданный оригинальным способом: в склоне горы высекли ров в форме буквы "П", из внутреннего монолитного массива и было «изваяно» сверху донизу здание храма (61 м длиной, 30 м высотой). Поверхность изобилует скульптурами богов, фантастических существ и животных. «В пещере такая масса изображений, что она может почитаться книгой индийской мифологии», однако в этом изобилии чувствуется некоторая перегруженность, беспокойство форм.
В XI-XII вв. в употребление входят «новоиндийские» языки - хинди, урду, бенгали, маратхи. Древний санскрит остается в основном языком науки, как латынь европейского средневековья. В это время возникает новый тип башенных храмов - шикхара, по форме напоминающих плод дыни. Несмотря на фантастический вид, храм строился по строгим канонам. Таков возвышающийся на монолитной платформе величественный храм в Кхад-журахо. Под влиянием жреческой брахманистской эстетики скульптура постепенно отходит от непосредственных наблюдений жизни, становясь все более канонической и отвлеченной, символически выражая идеи индуизма.
С XIII в. разрозненные индийские княжества подвергаются вторжению мусульман, принесших с собой ислам и его эстетику, активно влиявших на искусство Индии почти до начала XIX в. Возникли новые формы в архитектуре - мечеть, минарет, мавзолей. Позднее складывается средневековая архитектура Индии, синтезирующая местное и привнесенное, два стиля сливаются в один, «индо-мусульманскнй».
Насколько это удалось, можно судить по знаменитой усыпальнице Тадж-Махал (1632-1650), которую заслуженно называют жемчужиной индийской архитектуры, «поэмой в мраморе», «лебединой песнью зодчества эпохи Великих Моголов. Купол мавзолея, как говорят индийцы, похож на «облачко, отдыхающее из воздушном троне».
Мавзолей был создан по велению императора Шах-Джахана в память его любимой жены Мумтаз-Махал лучшими архитекторами Востока.
В эпоху средневековья расцветает искусство книжной миниатюры, обогащенное иранскими образцами. Один из памятников Могольекой школы - «Бабурнамэ» (XVI в.), жизнеописание султана Бабура, хранится в Государственном музее искусства народов Востока в Москве.
Художественное ремесло Индии - одно из древнейших в мире. Эта страна с давних времен и до наших дней славится ткачеством из хлопка и шерсти (ценилось еще в древнем Вавилоне), резьбой по слоновой кости и дереву, обработкой металла (чеканка, резьба, филигрань, инкрустация), ювелирным делом и изделиями из лака.
Английская колонизация в конце XVIII в. Остановила развитие национальной монументальной архитектуры и скульптуры, однако сохранилась местные художественные ремесла. Станковая живопись и скульптура, развивавшие национальные традиции, смогли возродиться лишь с подъемом национально-освободительного движения в начале XX в.
Художественная культура Индии оказала огромное влияние на страны Юго-Восточной и Центральной Азии.
Художественная культура Китая насчитывает около пяти тысячелетий в своем развитии. За это время создано великое множество произведений искусства. Величие китайской культуры проявилось в том, что, несмотря на исторические потрясения, она продолжала существовать, опираясь на прочные национальные традиции. Наоборот, завоеватели Китая утрачивали родной язык и письменность, целиком попадая под его культурное воздействие. Обилие памятников искусства древности и поры расцвета средневековой культуры поистине грандиозно, несмотря на чудовищные потери. И в настоящее время прибывающего в Китай поражает легко вписавшаяся в современность и бережно сохраняемая древняя культура.
Во II тысячелетии до н. э. вместе с первыми государственными образованиями появились города с правильной планировкой, сохранившейся в средневековье и позднее, до наших дней. Возникает иероглифическая письменность, со временем ставшая графическим искусством каллиграфии, вошедшей в тонкий художественный синтез с китайской живописью. В это время складывается традиционная мифологическая символика и художественный параллелизм образов природы и жизни человека, что определяет поэтические особенности китайского искусства и его требующий изучения художественный язык.
Древнекитайская бронза II тысячелетия являет собой законченный художественный мир. Бронзовые ритуальные сосуды «звериного стиля», которые выплавлялись в глиняных формах и достигали веса до 600 кг, обрабатывались с такой тщательностью и виртуозностью орнамента, что мастерство их изготовления и сейчас изумляет как некая загадка.
В I тысячелетии китайцы создали лунно-солнечный календарь и первый в мире звездный каталог. Появляются древнейшие из философских учений - конфуцианство и даосизм. Этическое учение Конфуция с его культом древних традиций, предков, семьи насаждало консерватизм и традиционность в культуре, тогда как даосизм проповедовал следование «дао» - пути, отражающему сущность природы: изменчивость и постоянное движение сил, переходящих постепенно в свою противоположность. Даосизм повлиял на культ природы в китайском искусстве, соотнося все человеческие поступки с явлениями природы, избрав природу примером для поведения людей. «Высшая добродетель подобна воде. Вода приносит пользу всем существам, и не борется» - одно из многочисленных изречений, приписываемых легендарному основателю даосизма Лао Цзы.
Возникновению китайской живописи предшествует развитое искусство скульптурного рельефа, образцы которого во множестве обнаружены в древних погребениях китайской знати империи Хань, многие ученые ведут начало китайской живописи именно от ханьских рельефов с их фризовой композицией и богатством ритмических отношений плоскостных силуэтов. В средневековье (III-IV вв. н. э.) Китай входит со стойкими традициями в различных областях культурной жизни.
Возрождению после нашествия кочевых племен, укреплению и объединению государства на феодальных основах способствовала и новая идеология, пришедшая из Индии - буддизм. Раннее китайское средневековье - время активных взаимосвязей Китая со смежными странами и культурами, а также время художественных исканий. Под влиянием буддизма возникает монументальная архитектура, скульптура и живопись скальных монастырей, храмов и пагод. Сплавляя древнее и новое, китайцы создают торжественный и необычайно декоративный художественный стиль, который отразил жизнерадостный философский дух средневековой культуры. Как и живописец, китайский зодчий был поэтом и мыслителем, обладал возвышенным и обостренным чувством природы. Секрет необыкновенно поэтического впечатления от архитектуры Китая заключается в искусном ее расположении не изолированно, а в широком пространстве природы, чтобы леса и далекие вершины гор казались частью огромного грандиозного комплекса.
О широте архитектурных замыслов китайских зодчих свидетельствует древняя Великая китайская стена (строилась в VI-III вв. до н. э.), один из самых величественных памятников мирового зодчества; после многовековых достроек стена превысила 3000 км. Суровый ландшафт северо-китайских гор составляет гармоничное созвучие с суровой простотой этого стратегического сооружения, защищавшего Китай с севера.
Помимо пещерных храмов, строившихся на протяжении веков как своеобразные музеи средневековой скульптуры и настенной живописи, большое распространение получают буддийские мемориальные памятники в честь святых и паломников - пагоды.
Напоминая вначале индийские башнеобразные сооружения, к VII VIII вв. китайские пагоды отличаются ясностью ярусных членений и спокойной величавостью, тогда как башенным сооружениям Юго-Восточной Азии свойственны набухание каменных пластических форм, а на Востоке - бесконечная устремленность ввысь каменных игл мусульманских минаретов. Самая известная пагода времен империи Тан - Даяньта (Большая пагода диких гусей), 60 м высотой, состоит из 7 равномерно суживающихся кверху одинаковых ярусов. Возвышенный духовный порыв и разум сочетались в благородной простоте и ясности этого сооружения.
С XV в., после изгнания монголов, столицей Китая становится Пекин, по-китайски Бэйцзин (Северная столица), существующий уже более трех тысяч лет. Его план, грандиозные ансамбли дворцов, садов и храмов-созданы по древним образцам и строительным уставам. Город расположен по правилам геомантики «фын-шуй» - старинной системы ориентировки зданий на местности в зависимости от розы ветров, протекающих вод и окружающих горных цепей. Строго симметричную планировку магистралей и улиц эффектно дополняют тенистые сады и парки на насыпных холмах, глади искусственных озер, раскинувшиеся свободно и живописно. В центре города высится Императорский дворец - «запретный город» - сказочный лабиринт архитектурных и садово-парковых сооружений. Главное здание дворца - Тайхэ-дянь - Павильон высшей гармонии, подобно всем дворцовым деревянным павильонам, сочетает простоту и логичность конструкции с живописной нарядностью декора. С XV в. город украшает и величественный ансамбль Храма Неба, связанный с древнейшими обрядами почитания неба и земли как дарителей урожая. Основное здание - Храм молитвы за годовую жатву - с тройной густо-синей черепичной глазурованной конической крышей, красными колоннами и высокой белой круглой террасой с мраморными пандусами, высится над всем ансамблем, словно сияющая горная вершина из драгоценного лазурита.
Пространственный размах, свойственный китайскому зодчеству XV-XVII вв. и являющийся результатом опыта тысячелетий, ощутим и в гигантском некрополе династии Мин близ Пекина. Путь к нему лежит через пятипролетную мраморную арку - начало пути, а затем - восьмисотметровая аллея, Дорога духов, которую охраняют фигуры животных и воинов - стражей некрополя.Погребения (ворота, храмы, гробницы и подземные дворцы, в каждом), словно зеленые оазисы среди горных цепей; места уединения, тишины и покоя.
Живопись как вид искусства издревле пользуется в Китае большим уважением. Сохранились посвященные живописи стихи и трактаты, описания картин и сводные истории о мастерах живописи на светскую и культовую, прежде неразрывно связанных между собой. Культовая живопись украшает стены буддийских храмов, светская - шелковые свитки и стены дворцов. Китайская живопись неразрывно связана с поэзией. Большая часть живописцев была и поэтами (в пору китайского средневековья от образованного человека требовалось, чтобы он был и поэтом, и музыкантом, и живописцем, а часто и философом). Сочетание картины и надписи необычно для европейского восприятия, да и картина совершенно обходится без рамы, в виде свитка хранимая в специальных ящиках и развертываемая в редких случаях для рассмотрения. По-видимому, на рубеже новой эры была выработана эта форма живописных свитков, имеющих два вида. Вертикальные свитки обычно не превышают 3 метров, тогда как горизонтальные (панорама, иллюстративная повесть: либо серия пейзажей, либо сцены городской жизни) достигают 10 метров.
Китайский пейзажный жанр известен как одно из величайших достижений мирового искусства. Китайский художник воспринимает пейзаж как часть необъятного и просторного мира, как грандиозный космос, где человеческая личность растворена в созерцании великого, непостижимого и поглощающего ее пространства. Китайский живописец изображает природу в двух аспектах. Один - пейзажи гор и вод - «шаньшуй», тип классического китайского пейзажа на длинных свитках, где важны не детали, а общее философско-поэтическое ощущение величия и гармонии мира. Другой - скорее, жанр «цветов и птиц», когда на небольших свитках и альбомных листах, веерах и ширмах изображали цветок, птичку на ветке, обезьяну с детенышем или стрекозу над цветком лотоса. Изображение бесконечно приближено к зрителю и одновременно вписано в единую и цельную картину природы.
Искусству пейзажа посвящены многие поэтические трактаты. В «Тайном откровении науки живописца» сказано: «Порой на картине всего лишь в фут (длиной) пейзаж он напишет сотнями тысяч верст». Здесь идет речь об особенностях перспективного построения пространства на вертикальных свитках. Автор картины как бы созерцает землю «с птичьего полета», отчего горизонт поднимается на необыкновенную высоту,- несколько планов пейзажа высоко поднимаются один над другим,самые дальние предметы оказываются самыми высокими. Пейзажные планы отделяются либо водным пространством, либо туманной дымкой; воздушный прорыв между ними разделяет передний и задний планы на расстояние, кажущееся бесконечным. Чтобы усилить впечатление грандиозности мира, живописец беспрерывно противопоставляет малые формы большим (деревья кажутся огромными рядом с крошечными фигурками людей у их подножия).
Впечатление правдоподобия дает выразительная, продуманная до мельчайших подробностей линия, создающая образ предмета, его форму и объем. С давних времен китайские мастера сочетали линейные приемы с тончайшей живописной нюансировкой, объединив графику и живопись воедино. Китайская живопись - это искусство намека, пробуждающего фантазию, это искусство детали, разворачивающейся в философскую картину мира, это глубоко поэтичное искусство одухотворения природы и человека.
Китайский народ с его богатейшей фантазией, воспитанным тысячелетиями тонким художественным вкусом создал великие и прекрасные традиции в прикладном искусстве. Достаточно назвать китайский художественный фарфор, долгое время служивший валютой, будучи монополией и секретом Китая.
Не умея проникнуть в тайны иероглифической письменности, западный мир долгое время почти не знал китайской классической поэзии. Чистым источником вдохновения для китайских поэтов последних двух тысячелетий служит древнейшая классическая «Шицзин» - «книга песен», где собраны лирические на-родные песни и ритуальные гимны XII-VII вв. до н. э.
С XVII в. китайские художественные изделия Проникают в Европу, фарфор и шелк ценятся на вес золота. Влияние китайского искусства ощутимо в стиле рококо и в загородной, парковой архитектуре XIX в., что было лишь поверхностной стилизацией. Более глубоки связи китайского искусства с европейской романтической традицией символистской поэзии рубежа XIX и XX вв. Поэты-символисты отмечали, что старая китайская живопись «уходит от действительности к снам наяву», художники Китая обладают способностью «зачаровывать предметы», изображать их с помощью чувства, переживания, воспоминания.
Искусство Японии - это самостоятельный исторический тип искусства. Его возникновение теряется в веках. Долгое время обискусстве древней Японии не было ничего известно. Только в началеXX в. обнаружены памятники II-I тысячелетии до н. э. Длительный период древней культуры с IV тыс. до н. э. почти до начала новой эры называется Дземон («след веревки»), от способа изготовления древнейшей керамики. Ритуальные сосуды были для древнего человека драгоценным сводом знаний о мире, его стихиях, магической связи человека и Вселенной. По мнению исследователей, именно к началу земледелия относятся глиняные фигурки - догу - божков плодородия.
Считается, что наиболее значительный вклад в мировую культуру Япония внесла в эпоху феодального средневековья (с VI- VIII до середины XIX в,), испытав сильное культурное влияние Кореи и особенно Китая. Все основные черты китайского искусства получили развитие, однако формирование национального художественного стиля заключалось в преодолении влияний и доведении до высокой степени совершенства отдельных, заимствованных в Китае видов искусства. Отличительной особенностью японской культуры является ее демократизм. Особое значение придавалось художественному оформлению интерьера в жилищах разных слоев общества.
В каждый из периодов долгого средневековья созданы выдающиеся художественные произведения. В VII-VIII вв. - это архитектурно-скульптурные ансамбли буддийских монастырей.
По древнему закону храмы строились на 20 лет, затем их разрушали и строили новые по такому же плану. Древнейшие синтоистские храмы («синтоизм» - «путь богов» древнейшая национальная политеистическая религия) строили из ценных пород дерева. Буддизм, который с VI в. становится государственной религией, предопределил грандиозный размах зодчества. Знаменит храм Хорюдзи, Золотой храм около древней столицы Нара и самое большое деревянное здание в мире - «храм Тодайдзи. «Великий восточный храм», главная государственная святыня с огромной бронзовой статуей Будды внутри. Буддийские храмовые комплексы стали прообразом первых городских поселений.
В IX-XII вв. появляется и переживает расцвет японская светская живопись - ямато-э. На шелке и бумаге яркими красками с добавлением золота и серебра художники рисовали пейзажи, придворные сцены, иногда иллюстрировали знаменитые романы своих современников. Картины в форме горизонтальных свитков - зкимоно - рассматривали на столе, а вертикальные - какимоно - украшали стены парадных комнат. Картины ямато-э («японской живописи») оставляют впечатление праздничной драгоценности.
В эпоху древнего средневековья создаются самобытные произведения ландшафтной архитектуры - знаменитые японские сады. Наиболее известны «сад мхов» и буддийский «сад камней» в Киото (XVI в.). Своеобразное соединение буддизма с древней религией способствовало формированию традиционной японской эстетики - естественных, природных форм. Цель - создание наилучших условий для созерцания и переживания связанных с природой ассоциаций. Деревья выращивались так, чтобы они контрастировали по форме и цвету листвы, не закрывая выходившую ночью луну. Пальма должна была находиться рядом с окном, чтобы во время дождя слушать «музыку капель», а камни у водопада в глубине сада укладывали так, чтобы звук воды был слышен издалека. В этих садах, окружавших дворцы и павильоны, строились хижины для бесед о поэзии и искусстве и проведения знаменитых чайных церемоний - тяною. Один из самых известных таких павильонов - Золотой павильон в Киото (XV в.).
В XVII-XVIII вв. созданы замечательные произведения в сфере декоративных росписей на ширмах и стенах дворцов. Безукоризненная точность линий, выработанная в живописи па свитках, стала в росписи ширм залогом выразительности каждого силуэта, строгой ритмической упорядоченности цветовых пятен; изысканная декоративность свитков приобрела здесь черты монументальности.
Завершающий этап средневековья ознаменовался расцветом ксилографии - гравюры на дереве, которая служила театральной афишей, книжной иллюстрацией, поздравительной открыткой и просто украшением быта. Коллективность творчества, как и виртуозность исполнения каждого штриха, общая композиция и звучная гамма цветов роднит гравюру с живописью (ямато-э) и декоративным искусством. Мастерами гравюры признаны Китагава Утамаро («Шесть знаменитых красавиц») и Кацусика Хокусай («Путешествие по водопадам различных провинций»).
Японская эстетика утверждает: «Все лишнее безобразно». Поэтому и в японском интерьере, в отличие от европейского, минимум предметов: если ваза - то непременно одна, букет в стиле икебана - один, ширма - одна, свиток с каллиграфической надписью или с единственным иероглифом на стене - тоже один.
Специфическим для Японии было декоративное искусство НЭЦКЭ - фигурки (брелки) из кости и дерева, изображавшие то бога мудрости, то цикаду на листе, то маску богини веселья. Вообще горожанин XVII-XIX вв. обладал высокой культурой восприятия условности в искусстве, связанной с религиозной и фольклорной символикой, и был окружен в быту живописью и декоративно-прикладным искусством. Он наслаждался в театре «Кабуки» условной игрой актеров, сам сочинял трехстишья - хокку и пятистишья - танка, умел оценить поэтический шедевр Мондзаэмона и Басе.
Японское искусство оказывает влияние на Европу примерно с XVII в., когда в Англии появилась мебель в японском стиле.
В XIX в. французскими братьями Гонкурами были написаны восторженные статьи о японском искусстве, и вскоре «японизмы» становятся парижской модой. Большие коллекции японской гравюры собрали писатель Э. Золя, живописцы Э. Мане и Э. Дега. Отзвуки экзотического мира слышны в импрессионистической музыке К. Дебюсси. В России первая выставка японского искусства состоялась в залах Петербургской Академии художеств в 1896 г.
Художественная культура Индии, Китая и Японии представляет собой самостоятельное явление в мировом искусстве, которое, открывается лишь при глубоком изучении и тонком проникновении в художественный мир Востока.